lunes, 3 de noviembre de 2014

Andy Warhol


Andy Warhol nace el 6 de agosto de 1928 en el barrio obrero de Oakland, Pittsburg, Estados Unidos.

Su nombre completo era Andrew Warhola, pero se hizo mundialmente conocido como Andy Warhol. Fue el tercer hijo de un matrimonio eslovaco que emigró a Estados Unidos.

Cuando niño sufrió una enfermedad que afectaba su sistema nervioso, causando movimientos descontrolados en sus extremidades y problemas en la piel, lo que lo llevó a aislarse de otros niños y lo convirtió en hipocondríaco. Fue durante el tiempo que duró la enfermedad que su madre le impartió sus primeras clases de dibujo. De acuerdo al mismo artista esos meses marcaron su personalidad y fueron una de las causas que lo llevaron a volcarse al arte. A los diez años le regalaron su primera cámara, una Kodak Brownie con la que se inició en la fotografía.






Mientras cursaba sus estudios primarios, comenzó a asistir a clases gratuitas de arte en el
Instituto Carnegie (hoy museo de arte de Carnegie).

En 1942 fallece su padre, quien habiendo reconocido las cualidades artísticas de su hijo,
decide destinar todos sus ahorros para la educación universitaria de Andy. Ese mismo año
Warhol comienza a cursar la escuela secundaria.

Entre los años 1945 y 1949 estudia Diseño Pictórico en la Carnegie Mellon University. En
1949 se muda a Nueva York, donde empieza a trabajar como ilustrador y publicista de
revistas tales como Vogue, Harper’s Bazaar, Columbia Records, NBC, Tiffany & Co, entre

otras.











En la década del 50, después de posicionarse como artista gráfico, comienza a

incursionar en el dibujo y la pintura. En 1952 realiza su primera muestra en la Hugo
Gallery en la que exhibió “Fifteen Drawings Based on the Writings of Truman Capote”
(Quince dibujos basados en los escritos de Truman Capote).






En 1961 se empieza a gestar el concepto de pinturas “Pop Art”, centradas en bienes comerciales de producción masiva. En 1962 exhibe por primera vez una de sus obras más
conocidas de ese tipo, las latas de sopa Campbell’s. En un simposio sobre arte pop organizado por el MOMA en el 62, Warhol, entre otros artistas, fue criticado por “rendirse” al consumismo. Se alegaba que la afinidad del artista por el consumismo era inadmisible.













También, durante ese mismo año, adquiere una Polaroid SX-70 Big Shot, a la que
denominaba su “lápiz y papel”. Las instantáneas que obtenía con esta cámara lo
ayudaban con sus dibujos, serigrafías y pinturas.







En 1963 crea su taller “The Factory”, frecuentado desde entonces por personajes del underground neoyorkino y que se convirtió en uno de los puntos neurálgicos de la cultura
de ese momento. En el mismo frecuentemente se realizaban fiestas a las que acudían intelectuales, celebridades de Hollywood, drag queens, homosexuales, modelos y músicos, entre ellos Mick Jagger, Lizza Minelli y Lou Reed. Este último luego compondría la canción “Walk on the Wild Side” como tributo a los travestis y prostitutas que conoció en el lugar. Andy fue el manager de la banda de Reed, Velvet Underground.

En su estudio trabajaba con asistentes para poder incrementar la productividad, lo que también contribuyó a la polémica por los métodos de trabajo de Warhol y por el valor artístico de estas obras.



En el año 1966 deja de pintar y se dedica con mayor énfasis a la fotografía y el cine.

El 3 de junio 1968 Warhol sufre un atentado contra su vida. Valerie Solanas le dispara en la puerta de The Factory. Solanas era una de las artistas que frecuentaba dicho lugar e incluso aparecía en una de las películas de Andy, “I, A Man” (“Yo, un hombre”). La mujer le había pedido que fuera productor de una obra de teatro que había escrito y le entregó el guión de la misma, pero dicho guión nunca le fue devuelto y se desconoce si Warhol siquiera lo leyó. Valerie le disparó tres veces, dejándolo en grave estado. Sufrió de por vida las consecuencias de las heridas recibidas.





En los años 70 y 80 hizo muchos retratos, entre ellos de artistas como Truman Capote, William Burroughs, Silvester Stalone, Arnold Schwarzenegger, Jonh Lennon, Lizza Minelli, Michael Jackson y Madonna entre otros. También hizo un retrato de Mao Tse Tung, líder comunista chino. Por esta obra el gobierno chino en el año 2013 prohibió que las obras del artista fueran exhibidas en ese país por considerarlas como irrespetuosas hacia la figura del mandatario. Warhol Fallece el 22 de febrero de 1987 en Nueva York, a la edad de 59 años. Estaba internado en el New York Hospital, recuperándose de una operación de vesícula, cuando murió a causa de una arritmia post-operatoria. 

El velatorio fue realizado en Pittsburg, donde fue enterrado junto a su madre y su padre.
En su testamento dejaba todo a sus familiares, con la intención de que se creara una fundación dedicada al avance de las artes visuales. La subasta de sus numerosos
bienes llevó nueve días y se recaudaron más de 20 millones de dólares. Tras ello, en el

mismo año de su muerte, se funda la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts.

Actualmente existen dos museos dedicados a su obra: el Carnegie de Pittsburg y el Andy Warhol Museum of Modern Art. El primero es el más grande del mundo dedicado a un único artista, alberga en su interior más de 12.000 obras del artista. El segundo se
encuentra en Miková, el pueblo de origen de sus padres, y fue fundado por el gobierno
eslovaco, la Warhol Foundation de Nueva York y por su hermano John Warhola.

En 2011, a metros de su estudio, se emplazó una estatua de 3 metros de alto en su honor. En dicha obra se lo ve con una cámara de fotos colgada al cuello y una bolsa en la mano.




Principales obras



Autor de obras controversiales y emblemáticas, a veces repetitivas. Su obra Green Car Crash fue vendida en el año 2007 en más de 70 millones de dólares, el retrato que realizó de Elizabeth Taylor fue subastado en 2010 en una cifra de 63.3 millones de dólares y en 2008 su obra “Ocho Elvises” se subastó en 100 millones de dólares, convirtiéndose esta última en la más costosa de todas las obras que realizó el artista. En cuanto a sus otras obras más relacionadas con la fotografía, destacan los retratos que realizó entre 1977 y 1983 a diversos artistas y a objetos. Las siguientes fotos son todas de ese período, excepto “Ocho Elvises”:




Green Car Crash




Ocho Elvises




Marilyn Monroe




Mao Tze Tzung







Técnicas empleadas


Polaroid BIG Shoot

Andy Warhol desarrolló su arte en una época en la que aún quedaban vestigios de
los viejos prejuicios que separaban a la fotografía del arte, que perdía importancia frente
a la pintura. Warhol utilizaba una Polaroid Big Shot (que luego Polaroid continuó
produciendo solo para su beneficio) para retratar objetos y personas de su entorno.

Después de elegir las imágenes, de entre muchas tomas, eran transformadas en
serigrafías. Si bien en este punto del desarrollo de Warhol como artista la fotografía
tomada no era el objetivo final (aunque su trabajo involucrara emulsiones acetatos,
gelatinas, negativos y originales fotográficos), esto favoreció la visión de la fotografía
desde un punto de vista más artístico y lleno de posibilidades. Luego de abandonar la
pintura, Warhol comenzó a llevar consigo una cámara compacta de 35mm. Con ella
fotografiaba todo tipo de escenas y objetos de la vida diaria. Tomaba generalmente 36
fotogramas, que luego eran revelados en un laboratorio. Su tema recurrente, la seriación,
estuvo presente en sus fotografías también. Realizó más de 500 piezas de las llamadas
fotografías cosidas. Unía, mediante la costura con hilo de una máquina de coser, varias
fotografías iguales, que se superponían (no todas se veían completas). En contraposición
a esta idea de serialismo y de ignorar jerarquías entre objetos, a muchas de sus
fotografías, que Warhol elegía personalmente de la hoja de contacto, se les hacía una
única ampliación.

Las dos técnicas que más empleó para sus trabajos fueron el fotomatón y la fotoserigrafía.
El fotomatón es una cabina que realiza fotografías instantáneas. Desde 1963 a
1966, Warhol realizó cientos de retratos en fotomatones, muchos de los cuales fueron
utilizados luego en sus serigrafías. El primer fotomatón fue introducido en Nueva York en
1926, y a partir de entonces, estas cabinas de cuatro fotos en tira por un cuarto de dólar,
se hicieron parte del paisaje americano. Para Warhol, la estética del fotomatón era
irresistible: un proceso rápido, automático, que daba como resultado una imagen
Standard de cabeza y hombros, con gran contraste producido por el flash, lo que se
traducía muy bien en las serigrafías. Warhol daba a sus modelos las direcciones de
varios fotomatones y algunas veces los acompañaba. Solos en las cabinas, los modelos
podían improvisar posturas y gestos, que daban un sentido rudimentario de narrativa a
las cuatro exposiciones obtenidas.

La serigrafía comenzó a desarrollarse desde hace miles de años. En China, en
Japón se han encontrado vestigios de la utilización de plantillas para estampar tejidos. Se
realizaban perforaciones de diseños en hojas de plátano, que luego se superponían a las

telas y se coloreaban las zonas libres de la hoja con diferentes tintas. Esta técnica  se conoce con el nombre de estarcido y constituye un antecedente de la serigrafía. La
principal dificultad del uso de las plantillas es la de vincular sectores aislados de la imagen, y para ello se utilizaban delgados puentes entre cada parte, que no se perforaban. Los japoneses le dieron solución a este problema recortando cada parte de la imagen a utilizar, en forma independiente, y luego pegando estas partes sobre una malla de cabellos humanos entretejidos.

Tal y como la conocemos hoy en día, la serigrafía comenzó en Estados Unidos y
Europa a comienzos del s. XX. Se pegaba papel engomado sobre una tela, en algún
diseño en particular, que luego era tensada y servía para estampar tejidos. En 1907, en
Inglaterra, Samuel Simon patentó un nuevo sistema de impresión, que utilizaba una
pantalla de seda. Años más tarde, John Pilsworth patentó a su vez un proceso que daba
como resultado una imagen multicolor. Con la invención de una emulsión que sustituyó al
papel engomado, comenzó un rápido desarrollo en la técnica de la serigrafía, ya que esto
permitía obtener imágenes más definidas. La malla de seda, que se sostiene en un bastidor, es cubierta con la emulsión fotosensible, que se endurece con el contacto con la luz. Se realiza una impresión sobre material transparente de la imagen a utilizar, se pone
en contacto con la malla de seda sobre la que se ha colocado la emulsión, y se la expone
a la luz. Una vez terminado este proceso, la laca expuesta se ha endurecido, mientras que la que ha quedado a oscuras puede lavarse. Queda entonces un negativo sobre la malla, que es positivado mediante la aplicación de diferentes tintas.

Andy Warhol utilizaba tanto fotografías e imágenes de revistas, como sus propias
fotografías y dibujos para realizar sus serigrafías.

En lo que respecta a la cámara que utilizaba, la Polaroid Big Shot fue una cámara
de foco fijo fabricada durante la década del 70. El que tuviera foco fijo obligaba al
fotógrafo a moverse hasta encontrar el enfoque correcto. Era de cuerpo rígido y por su
poca distancia de enfoque estaba diseñada especialmente para retratos. Tenía un
objetivo de 220mm y una sola velocidad de obturación. Contaba también con un flash con
difusor sobre el cuerpo. Este flash estaba sincronizado mecánicamente con el cuerpo
para proveer la luz correcta en cada toma. Por todas estas características mencionadas
es que las imágenes tomadas por esta cámara se parecían mucho entre sí.
Warhol tomaba una serie de retratos durante cada sesión y posteriormente, entre
todas las conseguidas, elegía la que para su criterio era la mejor.




Silvester Stallone

Muhamad Ali


Yoko Ono

Arnold Swarseneger


John Lenon


Liza Minelli

Mick Jagger

Carolina de Mónaco












































Repercusión en el público de su época



Las críticas hacia este artista fueron muy divididas. Andy Warhol es un artista que
generó mucha polémica con sus obras y las críticas las tildaron ocasionalmente de
banales, pretenciosas, acusándolas de ser bromas pesadas y definidas como
vergonzosas, criticando el exagerado consumismo que denotaban. Sus trabajos eran, de
acuerdo al diario La Tercera “arte hecho para masas, donde las personas ya no son
espectadores, sino consumidores”. Los retratos de celebridades que realizó en la década
del 70 fueron catalogados de superficiales, fáciles y comerciales, lo que llevó a que su
siguiente exposición, llevada a cabo en 1980 y denominada “Genios Judíos” no tuviese
buena recepción.

De su faceta como retratista, algunos consideraron su trabajo una extensión de la
frivolidad sin ninguna aportación más que tener en foco a personajes famosos y
personalidades del jet set. Él mismo elegía a quien, según su criterio, lucía mejor en la
fotografía.

En contraposición, el crítico de arte e historiador David Bourdon decía que “La fotografía de Warhol, a pesar de su fecundidad, la profundidad del tratamiento del sujeto y los logros formales, ha logrado poco reconocimiento de la crítica o del público en comparación con la fascinación internacional abrumadora por su pintura, grabado y cine.”

Humberto Eco (2013), desde una mirada más contemporánea, dice en referencia al arte pop: “El mundo de las mercancías ha conquistado una capacidad innegable de saturar con las propias imágenes la percepción del hombre moderno (…). Ya no hay espacio para la denuncia, el deber del arte es constatar que cualquier objeto (…) adquiere o pierde la belleza no debido a su ser, sino a las coordenadas sociales que determinan su forma de aparición (…)” (Págs.377 y 378) y posteriormente mencionando las latas de sopa “(…) el artista se convierte en portavoz de una irónica polémica contra el mundo industrializado que lo rodea, expone los hallazgos arqueológicos de una contemporaneidad que se consume diariamente, petrifica en su irónico museo las cosas que vemos todos los días sin darnos cuenta de que funcionan como fetiche a nuestros ojos. Pero al hacer esto, por feroz o irónica que sea su polémica, nos enseña a amar estos objetos, nos recuerda que también el mundo de la industria tiene ‘formas’ que pueden transmitirnos una emoción estética. Una vez acabado su ciclo de cosas destinadas al consumo, una vez convertidos en soberanamente inútiles, estos objetos son en cierto modo redimidos de su inutilidad, de su ‘pobreza’, incluso de su miseria, y revelan su inesperada belleza” (p. 409)




Movimiento al que perteneció




Tuvo un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del Arte Pop o Pop Art, el cual,
junto con el minimalismo, es considerado el último movimiento artístico moderno,
precursor del arte postmoderno. El movimiento originalmente comenzó en 1954 en
Inglaterra, creado por John McHale. Se extendió con mayor o menor éxito por Inglaterra,
Paises Bajos, Italia, Japón, España, entre otros países. Pero fue Andy Warhol quien lo
popularizo e inmortalizó con su obra.

Actualmente el arte pop se asocia a los artistas que en los comienzos de la
década del 1960 se desarrollaban en Nueva York (Andy Warhol, Roy Lichtenstein),
extrayendo su material de los medios masivos de comunicación y la cultura popular, lo
que significó un giro significativo de la dirección marcada por el modernismo. Se alejó de
los temas considerados artísticos, que marca la tradición, como la moral, la mitología, lo
clásico. El artista pop celebraba los objetos y personas de la vida cotidiana, tratando de
elevar a la cultura popular al nivel de gran arte. Una de las principales características del
popart es la de sostener que no hay real diferencia entre la "alta" y "baja" cultura, que no
existen las jerarquías culturales, y que el arte puede tomar prestado de cualquier fuente.
Mientras que los expresionistas abstractos buscaban los traumas en el interior del
individuo, el pop art los buscaba en el mundo inmediato, más precisamente, sostenía que
no hay acceso sin mediación, ya sea al interior, a la naturaleza o al mundo artificial
creado por el hombre. Se nutría del boom de la manufactura de la postguerra,
apareciendo casi como sponsor entusiasta del capitalismo y el mercado de productos,
enfatizando el status del arte como un bien de consumo. La mayor parte de los artistas
pop tuvieron sus comienzos dentro del arte comercial, ilustradores para revistas,
diseñadores gráficos, siempre ligados a la fotografía, ya sea como finalidad o como
herramienta.

De acuerdo a Helena Celdrán, del diario español 20 minutos, “Popularizó la cultura
del consumo, la imagen superficial, los sucesos efímeros y la vulgaridad de la existencia

cotidiana”.




Influencias artísticas



Este artista emblemático del Pop Art reconoce influencias muy variadas. En sus
serigrafías de íconos religiosos se reconoce el peso de su pertenencia a la religión
católica ortodoxa, de la cual era practicante asiduo.

Según Fred Lawrence Guiles, autor de una biografía de Warhol, el artista, en su adolescencia, se identificaba con Marcel Duchamp. De todas maneras, aún sin haber datos fehacientes en este aspecto, sí se puede afirmar que Warhol estuvo expuesto al surrealismo y al Dadaísmo en sus cursos universitarios, tal como lo recuerda Jack  Wilson, quien fue compañero del artista en la Carnegie Tech.También asistió, a la edad de 15 años, a una charla impartida por John Cage, músico adscrito al movimiento Dada y que había formado parte del círculo de amistades de Duchamp durante su estadía en Nueva York.

Se puede hallar una gran diferencia entre la obra de Duchamp, sus ready made, y el Pop Art de Warhol. El primero trataba de quitar todo el peso del paso del tiempo, de la reverencia con la que se trataba a la obra de arte, trataba de crear reacciones en las personas, aún a costa de criticar la obra o de provocar desasosiego o rechazo. En palabras del propio Marcel Duchamp: "...Este Neo-Dada que llaman Nuevo Realismo, Pop Art, Assemblage, etc., es una salida fácil, y vive de lo que hizo el Dada.

Cuando descubrí los readymades pensé en desalentar a la estética. En el Neo-Dada tomaron mis readymade y encontraron belleza estética en ellos. Tiré un botellero y un orinal en sus caras, como un reto, y ahora los admiran por su belleza estética."
El Pop Art de Warhol representa objetos de la vida cotidiana, sumamente reconocibles por el público, sin la búsqueda de la inquietud.

No constituyen tampoco readymades, ya que no es el objeto en sí lo que se expone (como en el caso de La Fuente, de Duchamp) si no una representación del objeto. Lejos de desconcertarse, el público norteamericano se identificaba con sus obras. Eran muestrarios del "American way of life"

En 1962, Robert Rauschenberg visitó por primera vez el estudio de Warhol. Era un pintor
de renombre, coetáneo de Andy Warhol, pero que le llevaba una década de experiencia y
desarrollo en la pintura, ya que mientras Warhol se dedicaba a las artes gráficas, Rauschenberg se desarrollaba como pintor.

En una de las paredes del estudio, Rauschenberg vio la serigrafía Botellas Verdes de Coca Cola, y le comentó: "He visto esto antes" Se refería, sin dudar, a su obra Coca-Cola Plan, que había realizado cinco años antes.

A partir de ese encuentro, ninguno de los dos pudo escapar a la influencia del otro. El uso de las imágenes de Robert Kennedy en las obras de Rauschenberg proviene de los retratos de celebridades de Warhol, mientras que en algunas de las obras de Warhol, como en las que mezcla logotipos reconocidos con imágenes de Jesús, muestran la cualidad difusa de las obras de Rauschenberg.

Robert Rauschenberg


  La estética de repetición de Warhol puede haber tenido cierta influencia de los cómics, que solía leer en su adolescencia, y en las películas multinarrativas split image, en las que se veía la pantalla dividida en dos o más partes, en las que se veían situaciones en espacios diferentes, o la misma situación desde diferentes ángulos. Esta técnica fue reproducida en
1966 por el propio Warhol junto a Paul Morrissey en la película Chelsea Girls.

  Otra de las influencias más fuertes de Andy Warhol fue la sexualidad, la homosexualidad, el erotismo y el homo-erotismo. Muestra de ello son sus obras Sex Parts, que eran grabados, y Torsos, que eran pinturas. Estas series fueron realizadas en la década del 70 y muestran escenas de sexo explicito entre hombres, torsos desnudos y genitales masculinos. De acuerdo a Víctor Bockris, biógrafo de artistas, Sex Parts nunca llegó a exhibirse aunque aparece en una película norteamericana, American Gigoló.




Fotógrafos y artistas influenciados por su obra



  Warhol es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX y su fama ha sido acompañada siempre por la polémica y aún hoy sus obras producen diferentes respuestas, reacciones e interpretaciones.

  De acuerdo a los curadores del Met, Mark Rosenthal y Marla Prather, la influencia de Warhol puede ser detectada en al menos 60 artistas actuales reconocidos, entre ellos Ai Weiei, Cindy Sherman, Elizabeth Peyton, Alex Katz, Richard Avedon, Robert Mapplethorpe, Hans Haacke

  La vasija de Ai Weiwei muestra, para Helena Celdrán, “las observaciones relativas a la masificación y a la mitificación de lo vulgar”.




Contexto Histórico



Década del 60:

Al término de la segunda Guerra Mundial, en los años 1950, se produjo la Guerra Fría la cual se convirtió en la mayor confrontación entre Estados Unidos y la Unión Soviética. El mundo estuvo al borde de una Tercera Guerra Mundial tras el derribo de un avión espía norteamericano en territorio sovietico, pero todo terminó con la firma de un “tratado de concicencia pacífica” que culminó con el conflicto.

La "carrera espacial", mantuvo temporalmente en cabeza a la Unión Soviética, que fue la primera en poner a un ser humano, Yuri Gagarin, en órbita. Posteriormente los Estados Unidos iría más lejos llevando a sus astronautas a la luna en 1969.

Finalizadas las guerras y comenzando la recuperación Alemania se afianza como
tercera potencia mundial detrás de Estados Unidos y Japón. Gran Bretaña y Francia
pierden prácticamente la totalidad de sus colonias.

Durante esta década se produjeron numerosas confrontaciones internacionales y
comenzaron a producirse protestas por parte de una ciudadanía cada vez más crítica con
las acciones de sus gobernantes y la situación que se dibujaba en el mundo tras la
recuperación económica de la posguerra. Surgen movimientos socioculturales como los
"hippies", que participaron activamente en las protestas anti-guerra.

En Europa la juventud se alza en lo que se conoció como el "Mayo Francés". Los movimientos sociales adquieren cada vez mayor importancia en América Latina, avanzan los movimientos revolucionarios, alentados por el ejemplo de la Revolución cubana. En 1948 se instaura el estado de Israel en Oriente Medio, quedando enclavado en
el centro neurálgico de la región. A esto se le sumó el descubrimiento de importantes
yacimientos petroleros en los países del Golfo, lo que ayudó a posicionar económicamente a esta región.

En la china Maoísta se produjo la "Revolución cultural", que conllevó una transformación de su milenaria sociedad. Japón continuó desarrollando sus avances tecnológicos ganando prestigio a nivel mundial e impulsando la economía del país, mientras la sociedad se reestructuraba radicalmente pero conservando sus raíces culturales.

En Estados Unidos el conflicto de la Guerra de Vietnam generó descontento y sospechas en muchos ciudadanos de ese país. A su vez surgieron manifestaciones de la población afro americana que se fortalecieron gracias a figuras de líderes como Martin Luther King Jr.. Todo esto se fue consolidando tras la muerte de éste líder y de John F. Kennedy.


Década del 70:

La vida política de esta década estuvo signada por el conflicto árabe-israelí y la etapa final de la guerra de Vietnam. Se produjo una gran crisis en el sector energético que repercutió en la industria y en la sociedad en general. Esta crisis tuvo su origen en un bloqueo del suministro de petróleo, que permitió a los países productores fijar los precios del combustible que producían. En Estados Unidos, Richard Nixon renuncia a su cargo tras producirse el escándalo del Watergate. Al mismo tiempo, el intervencionismo del gobierno estadounidense ayuda a instaurar dictaduras militares en varios países de América Latina. Decae la influencia comunista en el mundo por la desintegración del bloque comunista compuesto por la URSS y China.


Década del 80:

La tensión de la Guerra Fría crece y la amenaza nuclear se hace sentir más que nunca. Mijaíl Gorbachov con sus políticas de Glásnost y Perestroika favorece el acercamiento entre las dos potencias involucradas. Estados Unidos bombardea la Libia de Muamar Gadafi, como represalia por ataques terroristas supuestamente patrocinados por ese país. Ronald Reagan, presenta una serie de medidas económicas de libre mercado, que sientan las bases de la economía neoliberal de los años venideros.

Por otra parte, las diferencias en el desarrollo entre los diferentes pueblos del mundo se evidencian con la hambruna que devasta a varios países de África.

Se produce el accidente de Chernóbil, localidad ucraniana al norte de Kiev, y queda en evidencia el riesgo continuo e inapelable de la técnica nuclear. La catástrofe nuclear contamina toda una región y provoca una lluvia radiactiva en amplias zonas de Europa, y pudiendo medirse un incremento de la radiación en todo el mundo.

En 1989 cae el muro de Berlín y la URSS y el bloque soviético en general se encuentran más debilitados que nunca.

La existencia del sida se hace pública por primera vez en junio de 1981 y acabará
presentándose ante el mundo como una epidemia de enormes proporciones.

Se popularizan los videojuegos y crece una industria que en la actualidad genera beneficios superiores a los del cine o la literatura. En el ámbito cultural, esta década tiene muchos seguidores de su estilo de vida, como la moda, la música y exhibiciones televisivas y del séptimo arte, exclusivas de este decenio.



Postmodernidad:

La modernidad, que recogía las ideas ilustradas de confianza en la razón y en el progreso como el proceso emancipador de la sociedad, sufre una inadecuación entre proyecto y realidad. Es entonces que la posmodernidad hace su aparición cuando se comienza a dudar del proyecto moderno, inicia con un desencanto y desconfianza en la razón ilustrada, lo que conduce a una debilidad de pensamiento. El posmodernismo ya no cree en el progreso, la pureza del conocimiento o las certezas. No hay Verdad, sólo verdades, que dependen de la historia individual y la cultura. Incluso la ciencia ya no es descrita como el descubrimiento de hechos verificables, sino como la realización de experimentos y la formulación de teorías bajo paradigmas que cambian con el tiempo.

Mientras los modernistas creían en el futuro y rechazaban el pasado, los posmodernos son pesimistas y no creen que el futuro necesariamente mejore.

El posmodernismo es también un movimiento artístico y académico que emergió durante los años 60 y 70 como sucesor del movimiento modernista. Los posmodernos rechazan muchos de los supuestos de la civilización occidental desde el periodo de la Ilustración del siglo XVIII. Creen que no existe una verdad absoluta, y cualquier intento de encontrarla resultará en una interpretación individual de la realidad. El filósofo italiano Gianni Vattimo define el pensamiento posmoderno con claridad: en él lo importante no son los hechos sino sus interpretaciones. Así como el tiempo depende de la posición relativa del observador, la certeza de un hecho no es más que eso, una verdad relativamente interpretada y por lo mismo, incierta.

En el campo científico, la teoría de la relatividad y la física cuántica, revolucionaron la forma mecanicista de interpretar el universo. En la ciencia han sido muy importantes la Teoría del Caos, y el Principio de incertidumbre de Heisenberg. Lo mismo ha ocurrido en el área de la epistemología y de la filosofía con el devenir del psicoanálisis.

Su mayor influencia se manifiesta en el actual relativismo cultural y en la creencia de que nada es totalmente malo ni absolutamente bueno. Es una nueva forma de ver la estética, un nuevo orden de interpretar valores, una nueva forma de relacionarse, intermediadas muchas veces por los factores postindustriales. El posmodernismo en sentido artístico abarca un gran número de corrientes. Los rasgos más notables del arte posmoderno son la valoración de las formas industriales y populares, el debilitamiento de las barreras entre géneros y el uso deliberado e insistente de la intertextualidad. El posmodernismo, al romper las barreras entre las formas de arte elitistas y el entretenimiento popular, ha tenido un efecto notable en la sociedad occidental. El cine y la televisión son hoy en día algunos de los medios de comunicación más capaces de manifestar las características de este arte.

De manera similar a como Andy Warhol hizo un puente entre el arte elitista y el arte popular, los autores posmodernos como Thomas Pynchon usaron en sus trabajos temas de géneros que históricamente se consideraron poco cultos, como la ciencia ficción. Otros escritores, como John Bart, tomaron el proyecto posmoderno de crear nuevas formas, con prosas fragmentadas que no ofrecían una narrativa nítida. Entre los músicos posmodernos se encuentran Phillip Glass y su trabajo minimalista, y las presentaciones en colaboración de John Cage, en donde el autor involucraba a la audiencia.



La sociedad de consumo:

Tras la II Guerra Mundial se implanta el Estado de bienestar, lo que produjo que importantes sectores sociales de los países industrializados aumentaran considerablemente su poder adquisitivo. Los adelantos tecnológicos permitieron un aumento de la producción y del consumo que permitía la absorción de todo lo fabricado.

Este aumento del consumo se produjo en parte a la reducción de la vida útil de los productos y por otro lado gracias a la publicidad que ubicaba a productos superfluos como imprescindibles. Este nuevo estilo de vida comenzó a difundirse como el “american way of life", que comenzaba a dejar en segundo plano otros valores culturales, como el crecimiento intelectual o espiritual. Comienzan a valorizarse la exageración, las
ostentaciones de la riqueza y la grandiosidad, reflejadas en todos los órdenes. La industria automotriz norteamericana, por ejemplo, se diferenció de las demás por el enorme tamaño de sus vehículos y por su mayor potencia. El resto de los países recibieron influencias de las modas y preferencias norteamericanas, más allá de sus propias tradiciones o idiomas.

Además de aumentar el consumo, las mejoras en el nivel de vida de los obreros
hacían disminuir los reclamos y los alejaban de los posibles conflictos sociales. A este
modelo basado en el consumo masivo se lo denominó sociedad de consumo.

El consumismo se estimulaba a través del cine, la radio, la televisión, de los diarios y de las revistas, el deseo por acceder a un mundo ideal y fantástico, al cual sólo se ingresaba comprando determinadas “marcas” de productos. Para triunfar en la vida, había que manejar tal automóvil, beber determinada gaseosa o vestir la ropa de los famosos. Incluso, las manifestaciones artísticas, como la música, el cine, el teatro o la literatura, eran impuestas por la propaganda de las empresas discográficas, las distribuidoras cinematográficas y por las empresas teatrales o editoriales. Había nacido la cultura de masas, en la que era más importante la difusión que la creación artística en sí misma. Tenía más valor lo más conocido que lo más creativo o mejor producido. Prevalecía lo comercial sobre lo artístico.


Bibliografía



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· Warhol Foundation, Andy Warhol Biography, porp artist and cultural Icon. Dirección
URL: http://www.warholfoundation.org/legacy/biography.html (Consultado el
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· Biografias y vidas, Andy Warhol. Dirección URL:
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/warhol.htm (consultado el 02/08/2014).

· Wikipedia, la enciclopedia libre, Andy Warhol. Dirección URL:
http://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol (consultado el 02/10/2014).

· Marginalblog, Andy en fotos, Warhol el fotógrafo. Dirección URL:
http://marginalblog.wordpress.com/2009/10/07/andy-en-fotos-warhol-el-fotografo/
(consultado el 02/10/2014).

· Infobae, China prohíbe una muestra de Andy Warhol por sus retratos de Mao Tse
Tung, publicado el 25 de marzo 2013 Dirección URL:
http://www.infobae.com/2013/03/25/702665-china-prohibe-una-muestra-andy-warholsus-
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