PICTORIALISMO: "ANNE BRIGMAN".
ALUMNAS:
*Bressan, Jésica.
*Priante, Virginia Florencia.
*Siquich, Daniela.
Breve Reseña:
Nacimiento,
procedencia, formación académica.
Anne (Nott) Brigman nació en Nu‘uanu Pali, sobre Honolulu
Hawaii el 3 de diciembre de 1869. Fue la mayor de ocho hermanos de Mary
Ellen Andrews Nott y Samuel Nott, ambos, de origen inglés. Ella fue educada en
las Escuelas de Hawai, en la Punabou School
de 1882 a 1883.
A los dieciséis años se mudó junto a su familia a Los Gatos, California.
Anne fue una actriz, poeta
y fotógrafa. Se formó como pintora.
En 1894 se casó con un
capitán de barco, Martin Brigman. Después de 1900 dejó de
viajar con su marido en sus recorridos por el mar y permaneció cerca de casa. Se
convirtió en un miembro activo en la creciente comunidad bohemia del área de San Francisco Bay.
Entabló una estrecha
amistad con el escritor Jack London y el poeta y naturalista Charles Keeler.
En cuanto a su carrera como fotógrafa, comenzó en 1901,
probablemente debido a sus ansias de encontrar una salida artística a sus
inquietudes, que no había logrado con la pintura. No tardó en exponer su obra
en los salones locales, y a ser conocida como una prometedora artista
pictorialista. Su primera foto expuesta en el tercer Salón Fotográfico del
Instituto Mark Hopkins, se tituló A Soldier of Fortune.
Su mayor deseo fue
pertenecer al movimiento de la Photo Secesión que lideraba Alfred Stieglitz, y
al que pertenecían grandes fotógrafos como Gertrude Kasebier y Edward Steichen,
leía ávidamente Camera Work, donde se exponían sus teorías y sus fotos.
Anne escribió una elogiosa
y entusiasta carta a Stieglitz, y le envió algunas de sus obras. Al maestro le fascinó el atrevido trabajo de
Brigman, y en 1902 entró a formar parte
del grupo de la Photo-Secessión, lo cual dió un empujón muy considerable a
su carrera, ya que se trataba de un conjunto super-elitista de artistas de la fotografía, con unas normas
muy estrictas para la admisión de nuevos
asociados. En 1906, era ya miembro de pleno derecho. Todo un honor. Fue la 1º
fotógrafa al oeste del Misissipi que perteneció al grupo.
En 1908, el Club Photo-Secession llevó a cabo una exhibición especial de
sus fotografías en Nueva York, y en 1909 ganó una medalla de oro en la Exposición
Alaska-Yukon, así como premios en Europa.
De 1903 a 1908, Stieglitz
exhibió fotos de Brigman muchas veces, y sus fotos se publicaron en tres
números de la revista de Stieglitz “Camera Work”. Durante este mismo período a
menudo se hizo llamar “Annie Birgman” y así firmó muchos de sus trabajos.
A pesar de que era bien
conocida por su trabajo artístico, ella no hizo ningún trabajo comercial o
vertical, como algunos de sus contemporáneos.
Durante 1910 se separó de
su marido y pasó varios meses en Nueva York. A su regreso, se mudó a una casa
en Oakland con su madre. En 1913 vivía sola. Ella continuó exhibiendo durante
muchos años, y fue incluida en el Salón Internacional de la señal en la
Albright- Knox Art Gallery de Nueva York en 1911 y la Exposición Internacional
de Fotografía Pictórica en San Francisco en 1922.
En 1915 trabajó con
Francis Bruguiere en la exposición de fotografía en la Exposición Internacional
Panamá Pacífico.
La disminución de la visión la llevó a abandonar la práctica profesional
e independiente de la fotografía en 1930 a pesar de que continuó la fotografía a través
de los años 1940.
Su actividad como
fotógrafa duró 20 años, y su estilo fotográfico no cambió ni siguió modas ni
tendencias.
Su obra evolucionó desde un estilo pictórico puro a una fotografía
directa, aunque en realidad nunca abandonó a su visión original.
Socialmente participaba
como actriz aficionada en las obras de teatro locales. Y amaba la poesía. A
mediados de la década de 1930 también comenzó a tomar clases de escritura
creativa, y pronto ella estaba escribiendo poesía. Animada por su profesor de
escritura, ella armó un libro con sus poemas y fotografías llamado Canciones de
Pagan. Ella encontró un editor para el libro en 1941, pero a causa de la
Segunda Guerra Mundial el libro no se imprimió hasta 1949, el año antes de que
muriera. Brigman.
Murió el 8 de febrero de 1950 en la casa de su hermana
en Eagle Rock, California.
Contexto
social e influencias artísticas:
El contexto histórico de
su trabajo como fotógrafa, se sitúa en 1890 con la Belle Époque
(1890-1914) que imponía nuevos valores a
las sociedades europeas (expansión del imperialismo, fomento del capitalismo,
enorme fe en la ciencia y el progreso como benefactores de la humanidad); el
estallido de las guerras mundiales (Primera Guerra Mundial 1914-1918 y la
Segunda Guerra Mundial 1939-1945) entre las cuales se proclama la Gran
Depresión, también conocida como ‘crisis del veintinueve’, una crisis económica
mundial que tuvo su origen en EEUU y se prolongó durante la década de 1930, en
los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial. En cuanto al contexto social,
hablamos de un boom del psicoanálisis (surrealismo) y el auge del feminismo. Brigman se la considera como la precursora
del eco-feminismo (corriente de pensamiento ambientalista de corte
feminista, aparecida en Europa en el último tercio del siglo XX) y sus imágenes
sugieren bohemia y liberación femenina.
Su infancia fue una de
libertad. Ella recordaba con cariño a sí misma como una "joven
salvaje", que crece en medio de los árboles de mango, guayaba, papaya, y
buganvillas, Anne no tenía ninguna experiencia de las restricciones que la
sociedad estadounidense victoriana tenía en la mayoría de las mujeres durante
ese periodo; lo que conlleva que Anne desarrolle un espíritu liberal y luchador
que estáen armonía con la naturaleza.
Su mayor influencia fue la obra
de Alfred Stieglitz y sus compañeros del Club Photo Secession sumado a una tendencia hacia las bellas artes debido
a su formación en pintura.
Fue discipula de Gertrude
Käsebier
(1852-1934) cofundadora en 1902 del grupo
Photo-Secession y por ende se vio influenciada por la obra de Gertrude.
El enfoque de Brigman a la
fotografía artística parece haber sido influenciada también por una extraña
mezcla de mitología pagana, el romanticismo europeo, y su exposición
infantil a las creencias nativas del
pueblo hawaiano.
La
obra de Anne muestra cierta influencia del pictorialismo pictórico.
Técnicas empleadas:
Anne empleaba el soporte de gelatina de plata o bromuro
de plata que había desarrollado Kodak, incentivando el desarrollo de fotógrafos
amateurs.
Influenciada por Alfred
Stieglitz y los pintores tonalistas trató de llevar la fotografía al terreno de
las Bellas Artes valiéndose de sus conocimientos de pintura, manipulando frecuentemente sus negativos en
el cuarto oscuro para crear suaves efectos subjetivos. También utilizó lápices, pinturas, productos
químicos e incluso herramientas de grabado directamente en sus negativos.
Igualmente, combinaba a menudo negativos, colocándolos juntos en la ampliadora
para que las imágenes se superpusieran, irónicamente, para lograr una imagen
más natural.
Recortaba varias
fotografías con una cuchilla, obteniendo diversos elementos de cada una de
ellas, para luego colarlos todos juntos de tapada en una nueva composición a
modo de collage realista. Con una iluminación adecuada, se saca una última
fotografía al montaje, generando así el nuevo original.
También empleaba el
retoque manual por medio de pincel, o aerógrafo, y tinta negra directamente
sobre el negativo, recurriendo a la técnica del puntillismo, corrigiendo
imperfecciones o haciendo desaparecer elementos existentes. La utilización de
unos elementos químicos u otros por zonas, también generaban efectos
interesantes, ocultando o recalcando sombras y zonas claras, mejorando la
luminosidad o el brillo, oscureciendo, etcétera.
En aquella época se alteró
y se retocó cada foto mediante la reducción
o eliminación de enfoque nítido, la impresión en colores distintos al blanco y
negro, o la adición de elementos extraños a las imágenes, como pinceladas.
Una de las técnicas más utilizadas por Anne Brigman, era la
de bromóleo. Ésta es una variante en el proceso
de impresión de aceite que permite una impresión ampliada. Consiste en
blanquear una copia fotográfica de bromuro de plata e impregnarla después con
pigmentos al óleo.
Los
grabados se hacen sobre un papel recubierto por una delgada capa de gelatina
sensibilizada con sales de dicromato. La exposición a la luz por contacto con un negativo produce un
endurecimiento de la gelatina dicromática proporcional a la cantidad de luz
recibida. Después de la exposición el grabado se empapa en el agua y las partes
que no se han endurecido absorberán más cantidad de agua que las endurecidas,
por tanto tras secar el papel con una esponja, aunque manteniéndolo húmedo, se
podrá aplicar una tinta litográfica con una base de óleo. Como consecuencia de
que el aceite y el agua no se mezclan se obtiene como resultado una coloración
de las partes expuestas y la creación de una imagen positiva. La aplicación de
la tinta se suele hacer con brocha y requiere habilidad, además el grabado
obtenido tiene carácter casi único al ser difícil una reproducción exacta del
proceso.
En
el caso de las fotos se realiza un proceso similar, se comienza con una
exposición y revelado normal en un papel de bromuro de plata, luego se blanquea
químicamente lo que producirá endurecimiento de la gelatina, de ese modo en el
caso de los tonos más oscuros se endurecerá más. Al pasar con una brocha los
pigmentos al óleo estos serán repelidos en las zonas que han absorbido agua e
impregnaran en mayor medida las zonas más secas.
Sin
embargo pueden existir efectos no deseados en la conservación de las copias si
no se realiza adecuadamente el proceso. Así un lavado inadecuado de las sales
de cromo puede llevar a la decoloración de las impresiones bajo la influencia
de la luz a largo plazo. También el espesor irregular de la capa de gelatina
puede, en condiciones desfavorables, dar lugar a tensiones en la capa pictórica
y producirse daños.
Esta
técnica fue utilizada para producir impresiones en color en la década de 1930
antes de que se desarrollase la película de color. Un método habitual era hacer
tres tomas idénticas en blanco y negro en algún tipo de película pancromática
con filtros de color (azul, verde, rojo), los negativos obtenidos se revelaban
y se obtenían copias en papel fotográfico de bromuro de plata, se blanqueaban y
endurecían según se ha indicado. Sin embargo, la tinta que se aplicaba era
amarillo sobre el negativo obtenido con filtro azul, rojo sobre el verde y azul
sobre el rojo. Estos tres se superponían y se pasaba uno tras otro a través de
una prensa de grabado. De este modo se obtenía una imagen en color sobre papel
e incluso tela. El resultado es una imagen que recuerda al espectador a las
pinturas al pastel, pero que sin embargo dispone del detalle y la nitidez de
una fotografía.
Empleaba
también la goma bicromatada,
técnica de impresión fotográfica basada en la propiedad de las sales de cromo
(principalmente bicromato potásico y amónico) que al mezclarse con la goma arábiga
se vuelve insoluble al ser expuesta a la luz ultravioleta o a la luz solar. A esta emulsión
fotosensible se le añade un pigmento soluble en agua (acuarela, tinta china o gouache)
que da el tono y color a la copia sobre papel, tela u otros materiales porosos.
Se
utiliza un soporte de papel de acuarela o grabado de más de 140gr,
o sobre tela. Se prepara el papel sumergiéndolo durante 15 minutos en agua a
60ºC (para que no cambie de tamaño durante el proceso). Para que las zonas que
se desean blancas no absorban color, si el papel no dispone de un encolado de
fábrica, se le aplica un encolado de gelatina industrial del tipo C o de uso
alimentario, reducida al 6% en agua.
Para
la emulsión fotosensible se utiliza una parte de solución en agua de bicromato
al 5%, una parte de solución en agua de goma arábiga al 35%, y unos 5ml de
acuarela en crema o tinta china.
Esta
emulsión ya fotosensible, se aplica al papel con un pincel. Una vez seco se
coloca encima un negativo de acetato o cristal del tamaño del papel y se
expone a la luz solar oluz ultravioleta (UV) con tiempos variables entre 1
minuto y 1 hora.
Por
último el revelado se realiza con agua templada hasta que
las partes no endurecidas por el sol se despegan del papel. Las partes
endurecidas por el bicromato permanecen coloreadas, haciendo visible el
positivo de la imagen.
Repercusión
en el público:
En sus formas de
expresarse solo buscaba el arte, nunca se profesionalizó, nunca realizó un
retrato por dinero. Los temas que dominaba eran el desnudo, tanto femenino como
masculino en escenarios y actitudes dramáticas, a veces integradas en las rocas
o los árboles, y en otras como protagonistas de la escena, como si de Diosas de
la naturaleza se tratara. Las instantáneas son muy envolventes y parecen
remitirnos a escenas oníricas. Siempre en espacios naturales muy elaborados, y
a veces se fotografiaba a si misma, lo que constituía una clara provocación a las convenciones y una actitud claramente proclive
a la liberación femenina. Nunca utilizaba modelos profesionales, “Mis
amigos son maravillosos y conocen el alma de mi trabajo”. Brigman era una mujer
libre y detestaba las convenciones sociales; desafiaba el conformismo social,
exaltando la libertad de una antigüedad pagana, y en comparación con sus
colegas, sus fotos eran intensamente emocionales, potentes, directas y
atrevidas. Estas emociones pueden verse expresadas en trabajos como Cleft
in the Rock, The Bubble, The Quest y Ballet de Mere. “Mis fotos hablan de la libertad de mi alma y de mi
emancipación del temor…”. Los cuerpos
fundidos con el entorno y el paisaje, desnudos que crecen de un árbol en pura
comunión con la naturaleza.
Además abogaba por el uso
de vestidos sueltos y suaves y animó a las mujeres a enterrar los corsés y
todos aquellos vestidos que desfiguraran la naturaleza del cuerpo.
La intensidad emocional
cruda y la fuerza bárbara de sus fotos, contrastan con las imágenes
cuidadosamente calculadas y compuestas por Stieglitz y otros fotógrafos
modernos.
En 1929, su labor se
centró en el paisaje de la arena y las dunas, fascinantes abstracciones en
blanco y negro.
Movimiento
al que perteneció:
Anne Brigman desarrollo su
actividad durante el Pictorialismo; nombre dado a un estilo internacional y al
movimiento estético que dominó la fotografía durante los siglos XIX y XX.
Como tendencia o corriente
fotográfica, el Pictorialismo pretende
legitimizar la fotografía como obra de arte, como medio autónomo de expresión
artística. Los autores recurren al romanticismo, a la adaptación de los
motivos de la pintura, atmósferas difusas, utilización
de foco blando, desenfoques, impresión en uno o más colores distintos del
blanco y negro y pinceladas visibles u otra manipulación de la superficie del
negativo y la copia impresa, todo ello en franca oposición a la
consideración de la fotografía como un mero proceso técnico y científico para
la reproducción de lo real. Reaccionando también a lo que los pictorialistas
consideraban como la decadencia de la fotografía, buscan una nueva vía a la interpretación y la emoción.
Introducen
así innovaciones ópticas y nuevas técnicas de revelado.
Brigman
fue una de los dos miembros originales de California del grupo de fotografía
artística de la Photo-Secession,
fundada por Alfred Stieglitz.
En esta época, la fotografía era considerada, por su supuesta
realización mecánica, una forma burda y fácil de reflejar la realidad más
prosaica. Stieglitz, dedicado siempre a la lucha en defensa de la fotografía
como arte, concibe Photo-secession como la ruptura con las normas académicas,
como una visión personal del mundo, basada en la expresión propia, independiente
de toda tradición visual.
'Camera Work' fue la revista
oficial del grupo, y se publicó entre 1902 y 1917.
Fotógrafos y artistas
influenciados por su obra:
Su trabajo influyó en la estética de muchos
fotógrafos de la época. Como ejemplos de ello podemos nombrar a:
Dahl-Wolfe, Louise (Estados Unidos,
1895 - 1989), fue una fotógrafa autodidacta a la que inspiraron tremendamente
los desnudos de Anne Brigman. Formó parte del staff fotográfico de Harper´s
Bazaar a las órdenes de Diana Vreeland.
Paige
De Ponte,
una fotógrafa y cineasta contemporánea presenta una innegable correspondencia en su contenido y
estilo con la obra de Anne Brigman.Ejemplo: El Pico del Diablo, Sudáfrica de
DePonte es muy parecido a las obras “El corazón de la tormenta 1912” y “Desnudo
junto a un árbol 1915” de Brigman
Fallecimiento:
Murió el 8 de febrero de 1950 en la casa de su hermana
en Eagle Rock (cerca de Los Ángeles), California, a la edad de 81 años sin ver
publicado su obra póstuma, Child of Hawai.
Estado
actual de su obra:
El trabajo de Anne Brigman
se encuentra en colecciones de los museos más importantes, incluyendo el Museo
de Arte Moderno de San Francisco, el Museo de Oakland, en California, elMuseo
Metropolitano de Arte y el Museo J. Paul Getty
OBRAS MAS DESTACADAS:
The Wondrous Globe-1912
S/N
S/N
Dryads, 1913
The heart of the storm,1910
Dawn,1908
Finis 1912
Soul of the blasted pine1909
The Cleft in the Rock 1912
The Dying Cedar-1909
Storm Tree-1915
The Lone Pine 1908
S/N
Figure in ladscape 1923
Incantation 1905
A Soldier of Fortune 1910
The cricket`s song1908
The Bubble 1907
The Pool 1912
Nude in a Burled Tree
1912
The Source 1909
Shadow in my Door 1921
BIBLIOGRAFÍA.
“A New History of Photography”.Michael Frizot.Konemann
Verlagssgesellschaft mbH.1998.Chapter: “Naturallistic vision and symbolist
image” Anne Hammond. Pages 300-303.
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