Nacido en Brühl, cerca de Colonia, Alemania, el 2 de abril de 1891; fue un artista alemán nacionalizado francés considerado figura fundamental tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable, utilizando una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación.
Hijo de Philip Ernst, maestro de sordomudos y pintor vocacional. Ingresó en 1909 en la Universidad de Bonn donde estudió filosofía, historia del arte, literatura y psiquiatría. De esta época datan sus primeras obras, cuya filiación expresionista revela la huella de su amistad con August Macke, miembro de El Jinete Azul. La famosa exposición del Sonderbund de 1912, que se celebró en Colonia, proporcionó a Ernst la ocasión de conocer directamente obras deCézanne, Van Gogh, Gauguin, Munch y Picasso.
Se alistó en el ejército alemán durante la Primera Guerra Mundial. Cuando Ernst dejó el ejército ya había surgido en Suiza el movimiento dadá; atraído por la revolución dadaísta contra lo convencional, Ernst se instaló en Colonia y comenzó a trabajar en el collage.
En 1922 se trasladó a vivir a París, donde comenzó a pintar obras surrealistas en las que figuras humanas de gran solemnidad y criaturas fantásticas habitan espacios renacentistas realizados con detallada precisión (L'eléphant célèbes, 1921, Tate Gallery, Londres).
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A Friends' Reunion - 1922 - Surrealista
En 1925 inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un sombreado a lápiz); más tarde experimentó con el grattage (técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera). Ernst fue encarcelado tras la invasión de Francia por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial; en la prisión trabajó en la decalcomanía, técnica para transferir al cristal o al metal pinturas realizadas sobre un papel especialmente preparado.
Recurrió luego al collage en tres novelas en imágenes: La Femme 100 têtes (La Mujer 100 cabezas, 1929), Rêve d'une petite fille qui voulut entrer au Carmel (Sueño de una niña que quiso entrar en el Carmelo, 1930) y Une semaine de bonté ou les sept éléments capitaux (Una semana de bondad o los Siete Elementos capitales, 1934).
En 1930, debutó como actor en el cine con La edad de oro (L' Age D' Or), segundo filme surrealista del director español Luis Buñuel, donde interpreta el papel del cruel jefe de los bandidos. Dicho film causó un verdadero escándalo en Francia, y fue prohibida por más de 50 años. Sin embargo, Ernst siguió colaborando en otros filmes de corte surrealista, en los siguientes años.
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She keeps her secret (Frotagge-1925)
En 1941, después de haber tenido una relación sentimental con Leonora Carrington, su alumna, emigró a Estados Unidos con la ayuda de Peggy Guggenheim, que se convertiría en su tercera esposa en 1942. En 1953 regresó a Francia y a partir de entonces sus obras gozaron de una notable revalorización. En 1946 se casa con Dorothea Tanning en una doble boda junto con la pareja Man Ray (fotógrafo) - Juliette Browner.
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Ambiguous Figures (collage-1919)
Antecedentes y efluvios de la fotografía surrealista
Cronológicamente deberíamos situar la primera fotografía surrealista en una fecha posterior a 1924 en que se hizo público el “Primer Manifiesto Surrealista”, que tradicionalmente marca el comienzo del movimiento. Sin embargo podemos decir que hay numerosas fotografías del siglo XIX que se podrían poner en relación con lo que será posteriormente la estética de la fotografía surrealista. Este es el caso de obras como los calotipos de Alois Loecher o fotomontajes decimonónicos que podría haber pertenecido fácilmente al grupo de Breton. Esto no viene sino a afirmar que la fotografía surrealista existe desde los primeros tiempos de la fotografía.
Los surrealistas quisieron ver un aspecto que va más allá de lo informativo. Retransmitía, en sus fotografías de París, situaciones íntimas donde se dejaban notar las mismas sensaciones que podría experimentar un viandante al caminar por la calle.
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Punching Ball or the Immortality of Buonarroti (1920-gouache, photomontage, ink)
El grupo también bebe de las fuentes de la imaginería popular, como pueden ser las postales. Tanto Salvador Dalí como Paul Eluard coleccionaban postales y en 1937 se imprimió una serie llamada “Le carte surrealiste”, donde se incluían postales de Duchamp, Max Ernst, Dora Maar, Miró y Man Ray entre otros.
Una vez establecidos los posibles precedentes, entre los que se encuentra por supuesto el dadá, con el puente de unión de Man Ray.
En los primeros años veinte, la fotografía era concebida tanto por la sociedad como por los artistas como una transcripción literal de la realidad y, pese a que parezca que esto nada puede aportar al surrealismo, será este aspecto precisamente lo que reutilizarán los surrealistas para su provecho, puesto que una fotografía tenía más credibilidad que una pintura a la hora de representar un sueño o cualquier otra imagen que evocara al inconsciente, y así puede incitar más, por su aspecto de realidad, a despertar la conciencia.
Mediante la fotografía, el surrealista era capaz de reinventar el mundo, de trastocar las referencias situándonos en un nuevo espacio de representación, extraño y ajeno al que una vez sirvió de referencia en el acto de fotografiar el objeto. Y es que la realidad se transforma en una visión diferente de sí misma por medio de la fotografía.
Lo que se pretende en la fotografía surrealista es que el objeto se recree en la imagen para convertirse en una versión diferente de sí mismo, una imagen distanciada de su apariencia normal pero sin perder su conciencia propia, haciendo de filtro evocador del inconsciente en el espectador que mira la fotografía.
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The Chinese Nightingale (1920- photomontage)
Se puede explicar así la preferencia de Breton de ilustrar sus obras literarias con fotografías, otorgando con ellas un carácter de realidad pero a la vez pretendiendo ir más allá y transmitir con esas imágenes los sentimientos más profundos del autor y de los surrealistas hacia los objetos representados en las fotografías.
De este modo el surrealismo intentará evidenciar un “algo” oculto en la realidad, se manifestará el inconsciente a través del acto creativo de igual modo que en la escritura automática, puesto que nada tiene que ver el artista con lo que se está plasmando en el negativo, dejando además patente lo aleatorio del acto fotográfico, la casualidad, puesto que para la aparición de una determinada imagen varía en cuestión del momento en el que se aprieta el obturador, quedando clara pues la azaridad del acto fotográfico.
Como resumen, se puede decir que la fotografía estuvo presente durante los años veinte, en las publicaciones para definir e ilustrar lo que era el surrealismo, no sólo en el aspecto estético, o doctrinal, sino que también ayudó a fomentar el espíritu puramente experimental del surrealismo.
Su obra tendría una gran influencia en multitud de artistas. Es el caso el historietista español Josep María Beà, quien durante su estancia en París en los años 60, se deja subyugar por obras como Una Semaine de Bonté, la cual le "contagia la necesidad de usar el collage utilizando grabados extraídos de revistas del siglo XIX", como puede comprobarse en su serie fantástica Tales Of Peter Hypnos (1975-76), además de los artistas y movimientos que se muestran en el cuadro siguiente.
A la edad de 84 Ernst muere en París, Francia, el 1 de abril de 1976 en París. Fue enterrado en el cementerio de Père Lachaise. Hoy en día, con vistas al castillo de Augustusburg se levanta una residencia benedictina clasicista. El museo Max-Ernst-Museum Brühl alberga una enorme colección de impresiones y esculturas del surrealista natural de Brühl.
Técnicas empleadas: Anexo
* El frottage (del francés frotter, 'frotar') es una técnica artística que consiste en frotar un lápiz sobre una hoja colocada sobre un objeto, consiguiendo una impresión de la forma y textura de ese objeto. Ideado por el pintor surrealista Max Ernst en 1925, cuando se observó un suelo de madera descolorida en un hotel en Pornic. La estructura de la planta le inspiró a colocar un pedazo de papel sobre las tablas del suelo y luego transferir sus texturas a la hoja con el grafito.
Esta técnica se basa en reproducir la textura de diferentes objetos frotando con materiales que permitan atrapar la textura en la hoja de papel.
En la pintura de Max Ernst las formas de puntos o pequeñas manchas se han aplicado con frottage, aplicando una textura de ese tipo llena de pintura, lo cual hace que sólo se haya manchado con la textura sobresaliente en forma de puntos.
En la documentación de pictografías se utiliza un material transparente para visualizar los motivos; para los petroglifos se ha desarrollado el frottage que registra las formas con alta fidelidad, además de las reales proporciones de las formas.Es de gran fidelidad, pues es a escala 1:1 y la posibilidad de que el criterio del transcriptor cree su versión se reduce al mínimo.
* El Grattage o raspado es una técnica de la pintura muy asociada a los surrealistas, que consiste en desprender parte de la capa pictórica de la tela, dejando a la vista lo que hay debajo, creando una especial textura con efecto de relieve o tercera dimensión. Fue empleada por Max Ernst y Joan Miró, como una aplicación de la técnica del frottage en la pintura.
La continua experimentación llevó al artista a desarrollar una nueva técnica llamada “grattage”, en la cual un lienzo preparado con una o varias capas de pintura era colocado sobre una superficie con relieve y luego raspado, desprendiendo la pintura para obtener un relieve del objeto.
Para Ernst, el “frottage” y el “grattage” ofrecían interesantes resultados estrechamente vinculados al automatismo psíquico del psicoanálisis freudiano, logrando penetrar en el subconsciente y hacerlo emerger. El mundo interior y exterior, el subconsciente, la fantasía y la realidad están unidos entre sí en los mundos pictóricos de Max Ernst. Este es un rasgo característico de toda su obra.
*La decalcomanía es la técnica píctórica más famosa del surrealismo, creada por Óscar Domínguez en el año 1936 que consiste en aplicar imágenes, por ejemplo de gouache negro, sobre un papel, el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen.
Técnica automática de gran efectividad y de aportaciones personales como son sus objetos surrealistas, los paisajes cósmicos» o las «superficies litocrónicas creados por su representante.
La decalcomanía corresponde a una de las últimas manifestaciones desarrollada por su creador Óscar Domínguez y considerada por André Bretoncomo un descubrimiento excepcional, una de las mayores aportaciones de este pintor al movimiento surrealista. Ha sido utilizada por artistas del surrealismo, entre ellos Óscar Domínguez, Max Ernst, Hans Bellmer y Remedios Varo.
En esta técnica se suele utilizar papel o lienzo usado, pero en cualquier caso se vuelve a plantear el problema central de la función del azar y del subconsciente. En la mayoría de los casos el resultado de este proceso no se logra sin la intervención consciente del artista.
Se distinguen dos tipos:
- Decalcomanías sin objeto preconcebido. Las imágenes surgidas de estas resultan enegmáticas, son representaciones amorfas o paisajes no figurativos, producto del azar absoluto y de rica plasticidad. Logran despertar la imaginación del expectador extrayéndole del interior sus propias imágenes y asociaciones. Estas son un anticipo de las tendencias informalistas.
- Decalcomanías de interpretación premeditada o del deseo. Son fruto de la colaboración de Óscar Domínguez y Marcel Jean, y para ellas inventan calcos y plantillas que controlan el azar absoluto. Marcel Jean crea una plantilla con la queretoca la mancha surgida de la tinta y con la que juega despertando asociaciones imprevistas.
- El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un tono unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, laliteratura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar.
Un collage se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. Se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912.
El collage ha sido usado, pues,en las vanguardias históricas de principios del siglo XX: Futurismo, Cubismo, Dadaísmo,Surrealismo, Constructivismo... Artistas plásticos que frecuentemente han usado esta técnica incluyen a Max Ernst, Juan Gris,Georges Braque, Marcel Duchamp, Man Ray, Raoul Hausmann, Antoni Tàpies,Modest Cuixart, Jasper Johns y el artista mexicano Alberto Gironella. Asimismo es una técnica habitualmente empleada por los creadores del Arte correo en la difusión de sus trabajos. Existen nuevos grupos literarios que están implementando el collage colectivo como técnica de composición de textos.
Se caracterizó por Max Ernst de la siguiente manera: "La técnica del collage es la explotación sistemática del encuentro provocado accidentalmente o artificialmente de dos o más realidades extranjeras en un aparentemente nivel incongruente -. y la chispa de la poesía que salta a través de la brecha ya que estas dos realidades se juntan ".
INTEGRANTES:
-FACUNDO SANTANA
-MAURICIO CHIAPPINI
-DAMIAN FAGANEL
-MUZI FRANCO
BIBLIOGRAFíA
Max Ernst –
Wikipedia - modificada por última vez el 29 may 2014 a las 23:31. http://es.wikipedia.org/wiki/Max_Ernst
El surrealismo en la
Fotografía – Picassomio - Ana Pérez Martínez(Licenciada en Historia del
Arte) - 2012 http://www.picassomio.com/art-articles/el-surrealismo-en-la-fotografia.html
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