Biografía de Fotógrafos: BIOGRAFIA DE WALTER PETERHANS.

“VANGUARDIAS”.

WALTER PETERHANS.

BAUHAUS: Taller de fotografía.

Alumnas:

Bressan, Jésica.

Periotti, Lorena.

Priante, Virginia Florencia.

Profesora:

Kenny, Sofía.

-.Septiembre 2014.-

BIOGRAFIA.

Fotógrafo alemán, perteneciente a la Bauhaus, nacido en Fráncfort del Meno, Alemania el 12 de junio de 1897 y falleció en Stetten, cerca de Stuttgart, el 12 de abril de 1960 a sus 62 años.

Retrato de Walter Peterhans tomado por su alumna Grete Stern.

Después del servicio militar y un período como prisionero de guerra, Walter Peterhans comenzó a estudiar en el departamento de ingeniería de la Sächsische Technischen Universität (TU) de Dresde en 1919, al año siguiente, estudió matemáticas, filosofía e historia del arte en la Technische Hochschule München (TUM) y la universidad de Göttingen.

Peterhans trasladó a Berlín en 1926-27. Un año más tarde, él ya se había establecido allí como fotógrafo industrial y retrato independiente de reconocido prestigio internacional.

Su aproximación a la fotografía se debió a su padre, director de la Zeiss-Ikon AG, que desde muy joven le introdujo en esta disciplina artística. Amplió sus conocimientos en esta área (estudió los procesos de reproducción e impresión fotográfica) durante un curso de un año en la Academia Estatal de Artes Gráficas e Industria del Libro (Staatlich Akademie für Graphische Künste und Buchwerbe) de Leipzig, entre 1925 y 1926. Ese mismo año aprobó el examen de maestro fotógrafo en Weimar, por lo que abrió un estudio de fotografía en Berlín y comenzó su labor docente en la Bauhaus como maestro. Se había establecido ya como fotógrafo industrial y de retrato independiente de reconocido prestigio internacional.

En el estudio compaginó su producción propia, especialmente de retratos, con la enseñanza de la técnica fotográfica. Su obra obtuvo el reconocimiento de los especialistas y fue alabada en las muestras presentadas en 1928 en Colonia (Pressa) y la celebrada en 1929 en Stuttgart (Film und Foto).

Cuando en 1929 se produjo el relevo en la dirección de la Bauhaus deWalter Gropius por Hannes Meyer, éste llamó a Peterhans para encargarle la dirección como profesor del primer curso oficial de fotografía en abril de 1929.

Durante su estancia en la escuela alemana, que se prolongó hasta la desaparición de ésta en 1933 por orden del nuevo gobierno nacionalsocialista, Peterhans desarrolló una importantísima producción propia que, en conjunción con su práctica pedagógica, contribuyó a crear la llamada escuela de la fotografía objetiva. Frente a la vertiente experimental que impulsó el húngaro Moholy-Nagy, director del curso de iniciación de la Bauhaus, Peterhans enfrentó una concepción más austera de la práctica fotográfica. En ella, la representación "objetiva" del modelo prima frente a la experimentación formal y técnica, descartando la potenciación de la creación artística subjetiva.

Dead Hare (Still Life with Foil)1929.

Untitled.1932

Tras el cierre de la Bauhaus, ejerció su carrera docente en la Escuela de Fotografía de Werner Graeff, institución que se clausuró en 1934. En el inquieto ambiente político del Berlín de los años treinta, Peterhans se trasladó, tras el cierre de la escuela Werner Graeff, a la Escuela Reimann de la capital alemana, que cambió su nombre a la und Kunst- Werk für Gestaltung-Privatschule (escuela privada de diseño, arte y mano de obra) en 1936, donde trabajó junto a Hugo Häring hasta que en 1937 la situación política se hizo insostenible.

Además, escribió manuales de fotografía y trabajó como un fotógrafo independiente. De 1933 a 1936, escribió al menos cuatro publicaciones de la editorial Knapp-Verlag.

Ante las dificultades que el gobierno nacionalsocialista oponía a las instituciones pedagógicas que predicaban posturas artísticas de vanguardia frente al academicismo potenciado por el régimen, Peterhans abandonó Alemania. En 1938,Mies van der Rohe, que había sido el último director de la Bauhaus desde 1930 hasta su disolución, llamó a Peterhans para que colaborase con él en el Instituto de Tecnología de Chicago, centro al que se había trasladado el año anterior huyendo de la presión del gobierno alemán.

Se le dio una cátedra dando conferencias en el entrenamiento visual, el análisis y la historia del arte en el departamento de arquitectura del Armour Institute, Chicago, más tarde, el Instituto de Tecnología de Illinois (IIT), entonces dirigida por Ludwig Mies van der Rohe. Además de enseñar en el IIT (hasta 1960), trabajó desde 1945 hasta 1947 como investigador asociado de filosofía en la Universidad de Chicago. En 1953, como profesor invitado en la Escuela de Diseño de Ulm (la HfG), que era el jefe del primer curso básico de seguir los principios pedagógicos de la Bauhaus. En 1959-1960, enseñó como profesor invitado en la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo.

Sus creaciones fotográficas destacaron no sólo en el marco de la escuela alemana, sino que le convirtieron en una de los principales y más influyentes fotógrafos del siglo XX.

(Stilleben mit Vogel).1933

CONTEXTO HISTORICO.

Su labor se desarrolló durante la Primera y Segunda Guerra Mundial; con un orden político opresivo, un mundo en constante conflicto, destrucción y renovación, lo cual influyó en el mundo del arte con nuevos planteamientos.

Fue al servicio militar y posteriormente fue prisionero de guerra y víctima de constante persecución del gobierno nazi.

Su estancia en Alemania se vio sesgada por el tumultuoso clima característico de esa época hasta que finalmente decidió mudarse a Estados Unidos escapando de la situación caótica en Alemania.

En este contexto, Peterhans, buscaba en su arte volver al orden, a la norma; a lo tranquilizador y equilibrado, exaltando la técnica al máximo.

TECNICA EMPLEADA.

Para comprender la obra de Peterhans consideramos indispensable describir su técnica tanto a nivel compositivo de la imagen como a nivel puramente físico-químico.

Sus lecciones se centraron en los aspectos técnicos, aspectos químicos y óptico-físicos del medio de la fotografía, el conocimiento de lo que él consideraba esencial para la realización del trabajo verdaderamente creativo.

Con una iluminación sofisticada, Walter Peterhans enfatiza las cualidades materiales específicas de los elementos de diseño; claro ejemplo de esto es la obra “Portrait of the beloved”, en el cual el recipiente de cerámica al revés parece un pecho bien redondeado, el cabello de ángel especialmente sedoso, el metálico adorno de Navidad da glamour pero espinoso y destaca también la rigidez y rasposo del encaje de tul.

Portrait of the beloved.1929

Su obra se basaba en los juegos de luces y sombras que se generaban segú las distintas superficies y estructuras a fotografiar.

Puede haber sido Walter Peterhans en 1940 que desarrolló el primer curso académico en entrenamiento visual.

Enseñaba habilidades de alfabetización visual sentando una base desde la cual innumerables diseños arquitectónicos, tanto como dibujos conceptuales y como estructuras realizadas, adornan las paredes de los museos de nuestro mundo y los motivos de su construcción medio ambiental.

La técnica de impresión de la imagen captada que empleó fue la gelatina de plata-bromo.

El gelatino-bromuro es un procedimiento fotográfico creado en el año 1871 por R. L. Maddox y mejorado en el año 1878 gracias a los trabajos de Charles E. Bennett que acabó desplazando al colodión húmedo, a partir del año 1882.

Este proceso básicamente supone en sus inicios el empleo de una placa de vidrio sobre la que se extiende una solución de bromuro de cadmio, agua y gelatina sensibilizada con nitrato de plata, que ya no necesita mantener húmeda la placa en todo momento, lo cual pone fin a uno de los grandes inconvenientes del colodión húmedo.

Al conseguir Charles E. Bennett mejorar la sensibilidad del gelatino-bromuro dejando secar durante más tiempo la placa emulsionada, consiguió rebajar el tiempo de exposición a un cuarto de segundo, lo que nos permite acercarnos al concepto de instantánea fotográfica.

Las placas secas "al gelatino-bromuro de plata" se fabricaban en industrias. Se compraban en cajas que debían abrirse en un cuarto oscuro, con débil luz roja, para cargar los chasis. Y una vez expuestas, se podían revelar sin prisas, días después, al regresar de los viajes. Uno de los fabricantes de placas secas fue: "A. Lumière & ses fils", de Lyon (Francia), que recibió grandes premios entre los años 1889 y 1900. Además de la sociedad Lumière, otros destacados fabricantes fueron: "Guilleminot et Cie.", y "Agfa".

A finales del siglo XIX comenzó a sensibilizarse el papel mediante este procedimiento empleando el bromuro de plata convirtiéndose en el tipo de papel fotográfico más empleado en el siglo XX.

Los materiales al gelatinobromuro de platase pueden guardar durante meses sin apenas perder calidad. El procesamiento consta esencialmente de un baño revelador, un baño fijador, un enjuage final y el secado.

La creación de este método supuso la culminación del invento de la fotografía, quedando básicamente constituida hasta la aparición de la fotografía digital.

Stillleben mit Stoff und Muschel. 1928

El trabajo fotográfico de Walter Peterhans se caracteriza por la belleza, la frecuencia de naturalezas muertas y por el uso de placas de gelatinas de plata, con las que conseguía efectos muy precisos. La geometría y la composición eran ítems importantes en sus obras, éstos reforzaban la belleza. Estas composiciones se ven mayormente indefinidas, ya que los objetos no cobraban una importancia relevante, solo sus simetrías muy marcadas o características.

Su obra fotográfica se basó en las tendencias de la Nueva Objetividad; utilizó texturas abstractas, puntos de vista en picado y contrapicado y adoptó la visión surrealista de la época.

En la fotografía “Still Life with flowers, fabric and gausse” se puede apreciar el estilo característico del autor. Consiste en un rayograma con una toma en picado donde experimenta con texturas de telas, flores y demás.

Peterhans tenía una destacable visión sobre los objetos, con la cual siempre explotaba las capacidades físicas y especiales de los mismos.

Dehecho, En la Bauhaus, la enseñanza de Peterhans se caracterizaba por utilizar las teorías de Kant, Platón y Pitágoras para mostrar cómo la belleza se construye en la mente, y la manera en que se pueden crear en las obras de arte. Animaba a los estudiantes a concentrarse en los matices de textura, transparencia y gradaciones tonales.

Telly. Mädchenporträt. 1928-1932

Weekend, before May 1929

MOVIMIENTO ARTISTICO.

Educado en el arte y formación en fotografía, Peterhans es mejor conocido por los retratos e imágenes industriales que produjo en su estudio privado y en una misión comercial.

Su obra se ve inmersa en el contexto de entreguerras, periodo en el que se produce un cambio significativo en el campo de fotografía, por un lado existe una reacción a los planteamientos pictóricos y por otro un interés por nuevas formas de expresión artística. Las tres principales corrientes que surgen en esta época son la Nueva visión, la Nueva objetividad y la fotografía directa. En todas ellas se busca la especificidad del medio fotográfico y su separación de la pintura.

“La nueva objetividad”; movimiento artístico surgido en Alemania a comienzos de los años 1920 que rechaza al expresionismo. El movimiento acabó, esencialmente, en 1933 con la caída de la República de Weimar y la toma del poder por los nazis.

En cuanto a lo meramente fotográfico, se propone hacer un empleo funcional de la luz, utilizar encuadres diferentes y usar objetivos de diferentes longitudes focales. Werner Graff escribió un libro en 1929 llamado Aquí llega el nuevo fotógrafo (Es kommt der neue Fotograf) en el que trata sobre las fotografías de la nueva objetividad. Se creó el movimiento llamado “Nueva Fotografía” que trajo consigo fotografías con un enfoque nítido, con carácter documental frente al arte fotográfico anterior basado en la poética autoconsciente.

En Alemania uno de los principales representantes es Walter Peterhans, junto con John Heartfield, Karl Blossfeldt, Helmar Lerski y August Sander.

Este grupo representa una nueva dirección que defiende a la fotografía no manipulada.

A diferencia de los expresionistas, la Nueva Objetividad renuncia a cualquier afán de introspección de carácter psicológico e individualista, al espiritualismo, ignorando a la vez el afán de experimentación que llena de euforia a los constructivistas. Sin embargo, como había ocurrido en Dada, la Nueva Objetividad utiliza en beneficio propio las posibilidades formales que le brindan los distintos movimientos de vanguardia. Todos ellos trasladan los logros veristas del fotomontaje que habían experimentado en dada a la pintura y al grabado; del futurismo adoptan la visión simultáneo (Grosz, Funeral de Oskar Panizza 1917-18, Stuttgart, Staatsgalerie). Aprovechan las aportaciones de la vanguardia pero, a diferencia de ella, no se queda indiferentes ante la realidad social y politica, toman partido: los muñecos metafísicos se cargan de atributos de clase y se convierten en representantes de ellas. Se produce en estos años una especie de enfriamiento, del futurismo, del cubismo y del expresionismo. En Alemania este enfriamiento tiene dos caminos: el racional, matemático y optimista de la Bauhaus y la denuncia política de la Nueva Objetividad, que se plantea hacer arte político de un medio injusto.

La Nueva Visión, movimiento artístico no específico de la fotografía que se desarrolló en la década de 1920, se relaciona directamente con los planteamientos de la Bauhaus. Considera la fotografía como una práctica artística autónoma con sus propias leyes de composición e iluminación; en consecuencia el objetivo de la cámara se convierte en un segundo ojo para poder mirar el mundo. Esta nueva mirada se basa en el empleo de encuadres sorprendentes, en la búsqueda del contraste en las formas y en la luz, en el uso de planos en picado y contrapicado, etc. Es coetáneo a la Nueva objetividad con la que comparte la defensa de la fotografía como un medio específico de expresión artística, aunque Nueva visión defiende el experimentalismo y el uso de procedimientos técnicos en la expresión fotográfica.

Pero el movimiento de la Nueva visión también recibe críticas de los componentes de la fotografía directa y la Nueva objetividad, que les acusa de experimentalismo, de incapacidad de producir de un modo uniforme, de realizar fotografías de aficionados con bajos niveles de calidad técnica. A esto último respondieron con la creación de clases de fotografía pura en la Bauhaus y con una evolución hacia una fotografía cada vez más objetiva.

Untitled. 1929

El centro de estudio y experimentación en las artes en Weimar, más conocido por el nombre de Bauhaus, se construyó para demostrar que el arte y la ingeniería no necesitaban seguir divorciados entre sí, como lo estuvieron durante el siglo XIX; que, por el contrario, ambos podían beneficiarse recíprocamente. La idea era ubicar al artista en el mundo de las nuevas realidades: el de la máquina y el de la producción en masa. La Bauhaus representó una extraordinaria revolución.

La Bauhaus no tenía una sección fotográfica, pero en 1923 se le encargó el taller de metales al maestro húngaro Lázlo Moholy-Nagy (1895-1946), que introdujo entonces la fotografía como un nuevo medio de expresión artística.

Se le otorgó a Peterhans el primer curso oficial de fotografía en abril de 1929.

La composición seguía únicamente necesidades artísticas y estéticas. Esto significa que renunciaron a todo lo que de alguna forma era material o descriptivo. Llevaron las tendencias abstractas introducidas por el expresionismo hasta un arte no figurativo que se distanciaba de una comparación con el mundo visual, al que ya no se deseaba copiar sino cambiar.

El mundo del arte se contrapuso a la realidad y la abstracción se convirtió en la expresión de la utopía de un mundo mejor. Con el fin de convertir la realidad en el sueño que permitía conducir a la humanidad a un mundo mejor mediante el arte, debían cumplirse dos condiciones primordiales: por un lado el arte tenia que ser armónico, claro y puro. Por otro lado, este nuevo arte tendría que abrirse camino en la vida cotidiana, para poder actuar en toda la sociedad.

La fotografía de los artistas de la Bauhaus se inscribe forzosamente en este proceso experimental, en el que hubo una búsqueda de nuevos ángulos de toma, novedosos procedimientos de copiado, fotomontajes inéditos, audaces combinaciones de materiales, nuevos efectos ópticos, collages, manipulación del negativo, renovación de los géneros, como por ejemplo el de la naturaleza muerta.

La Bauhaus alentó, en el marco de la expresión fotográfica, la exploración de nuevas formas más que nuevos temas. Una de las innovaciones esenciales de esta escuela fue sin duda la de haber asociado de manera sistemática el arte con sus posibles aplicaciones, ya fueran documentales, decorativas o publicitarias. Todo esto en manos de los mejores profesores de arte.

Grandes fotógrafos estudiaron en la Bauhaus como Herbert Bayer, Lázlo Moholy-Nagy, Lucía Molí-Nagy, Walter Peterhans, Horacio Coppola, Florence Henry, Grete Stern y Ellen Auerbach, entre otros.

INFLUENCIA DE SU OBRA.

Su trabajó influenció plenamente a sus alumnos, y tres de sus máximos exponentes fueron Grete Stern (diseñadora y fotógrafa alemana radicada en Argentina, alumna de la Escuela de la Bauhaus.), Ellen Auerbach o Ellen Rosenberg nombre de soltera (una importante fotógrafa alemana de las vanguardias, alumna también de laBauhaus), y Horacio Cóppola(Fotógrafo y cineasta argentino, fue uno de los mayores exponentes del modernismo fotográfico. Casado con su compañera Grete Stern y posteriormente divorciados).

En sus trabajos se puede observar, aunque aborden distintos temas la técnica limpia y clara que aprendieron de su maestro Peterhans.

Grete Stern: