miércoles, 15 de octubre de 2014

BIOGRAFÍA IMOGEN CUNNINGHAM

 IMOGEN CUNNINGHAM

INTRODUCCION
Cuadro de texto:

Imogen Conningham fue pionera de la fotografía moderna y del arte contemporáneo por la innovación presente en el conjunto de su obra a lo largo de más de siete décadas de trayectoria.





BIOGRAFIA
Nació en 1883 en Pórtland (Oregon), hija de Isaac Burns Cunningham y Susan Elizabeth Johnson, ambos viudos. Imogen sería la primera de los 10 hijos que tuvo el matrimonio. Llamada Imogen después de la heroína de Cymberline de Shakespeare.
Ella se crió en Seattle, Washington, donde el padre tuvo que trabajar en la construcción de carreteras y la venta de leña y carbón después de la quiebra de sus negocios. Imogen tuvo en su infancia, grandes posibilidades educativas, gracias a su padre que era un autodidacta y pensador que poseía una pequeña biblioteca de literatura, manuales prácticos y enciclopedias. Pronto vio en su hija Imogen un talento precoz para el arte.
En 1889 tras descubrir la obra fotográfica de la pictorialista Gertrude Käsebier “Blessed Art Thou Among Women” decidió hacerse fotógrafa. En 1906 con apenas 23 años compró por correo una cámara de 4×5 pulgadas a la Americamn School of Art and Photography de Seranton Pensilvania.
Imogen Cunningham asistió a la Universidad de Washington, con especialización en química después de que fue aconsejada por su profesor que ella debe tener una base científica, si quería ser fotógrafa. Para pagar sus gastos trabajó como secretaria a su profesor de química e hizo diapositivas para los botánicos. La tesis de Imogen Cunningham cuando se graduó de la Universidad de Washington en la especialidad de química fue titulado "Procesos modernos de Fotografía". 
Después de su graduación Imogen, trabajó en el estudio de retrato de Seattle de Edward S. Curtis, donde aprendió las técnicas de impresión de platino.
 Imogen abrió un estudio de retrato en Seattle. Allí, ella fue la única fotógrafa miembro fundador de la Sociedad de Artistas de Seattle y publicó el libro "La fotografía como una profesión para la Mujer", un artículo instando a las mujeres a emprender carreras en las profesiones.

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Hijos - Rondal y Padraic
Imogen Cunningham se casó en etcher Seattle, con  Roi Partridge. Su hijo, Gryffyd, nació. Ella cerró su estudio y se trasladó con Roi a California, donde tuvo hijos gemelos, Rondal y Padraic.  Con tres hijos y la vida como una esposa docente, su fotografía se limitaba en gran medida a fotografiar a sus hijos y las plantas en su jardín.
Luego Imogen y Roi se divorciaron y fue invitada a Nueva York a trabajar para la revista Vanity Fair, pero pronto regresó a California. Imogen Cunningham viajó con Dorothea Lange y Paul Taylor para documentar una madera de construcción cooperativa, a partir de una serie de toda la vida de lo que ahora se llamará la fotografía de calle, allí comenzó a utilizar la fotografía a color.

CONTEXTO HISTORICO
Influencias artísticas
Fue inspirada por la fotógrafa pictorialista conocida internacionalmente Gertrude Käsebier. Se trata de una artista estadounidense que comenzó en la década de 1890 a realizar ocasionalmente fotografías a sus 3 hijos. En 1894 estudió química de la fotografía, y pintura, en 1895 se decidió a trabajar profesionalmente en fotografía. Gertrude Käsebier fue  quien comenzó a estimular la participación de las mujeres en la fotografía:
"Sinceramente aliento a las mujeres con intereses artísticos a aprender el poco trabajado campo de la fotografía moderna. Parece estar especialmente adaptado a ellas, y las pocas que han entrado en él están encontrando un gratificante y lucrativo éxito".
Imogen durante su carrera llegó a colaborar con algunos de los artistas más importantes de su época, convirtiéndose gracias a su constante innovación y la calidad de su trabajo en una pieza clave en la conformación de la modernidad en la fotografía. Tras sus inicios en el pictorialismo, se acercaría a los principios de la “nueva objetividad” con su presencia en 1932, junto Ansel Adams y Edward Weston, en el núcleo fundacional del grupo f/64.

Principales obras
La trayectoria de Imogen sorprende tanto por su lo dilatado de su recorrido, como por la variedad de técnicas y motivos.
En sus primeros años, el Pictorialismo forma parte de algunas de sus primeras composiciones. Así, una serie de fotografías de su marido Roi desnudo, se enmarca en esta tendencia.
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Roi on the Dipsea Trail, 1918_jpg
Tales obras constituyen unas de las primeras aproximaciones históricas a la fotografía masculina de desnudo; unas imágenes que causaron una viva polémica y que debieron permanecer ocultas durante más de cincuenta años.
Fotografías transgresoras en la sociedad conservadora de la primera mitad del siglo XX.
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Dos Hermanas 1928
El desnudo es, sin duda alguna, uno de los géneros más sobresalientes en su obra. La exquisita delicadeza con la que trata la forma, la luz y la composición, alcanza cotas de belleza difícilmente superables. Ángulos de visión originales, encuadres insólitos que rayan la abstracción, elevan la contemplación de estas imágenes a una dimensión placentera, deliciosa, embriagadora y extasiante.
Espalda Espiral 1929
              espalda espiral 1929.jpg
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Una de sus fotos más famosas se trata de un autorretrato realizado en 1906 durante su etapa universitaria donde posa desnuda tumbada en la hierba y deliberadamente da la espalda a  la cámara. Se fotografió en el campus de la Universidad de Washington Seattle, algo que en 1906 demostraba una actitud transgresora e innovadora.
Autorretaro 1906 
  
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Dos Calas 1925
Sus fotografías de composiciones florales, con toda certeza se encuentran entre sus obras más logradas y resultan ser alguna  de sus imágenes más conocidas. Su divorcio y la crianza de sus hijos no fue un obstáculo para la continuidad de su carrera.
Aprovechando el jardín de su casa, pudo experimentar sin descanso con magnolias, calas, aloe y cactus. En el desarrollo de su obra se aprecia una evolución desde sus primeras composiciones alegóricas y florales, hacia ópticas más cercanas, complejas y abstractas.


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Magnolia 1925


Ella expresó “Fotografío todo lo que puede ser expuesto a la luz. La razón por la cual tomé fotografías de plantas en los años veinte es porque  tenía que cuidar tres hijos menores de cuatro años. Tenía un jardín disponible y las fotografiaba en el interior” Imogen Cunningham



Cuadro de texto:  
1920
Sus imágenes de arquitectura y la sorprendente serie de fotografías de serpientes en el interior de un cubo, parecen explorar patrones inquietantes, surrealistas, donde la yuxtaposición de curvas, líneas y formas desafían la mirada del observador.
Igual de sorprendentes resultan sus imágenes de corte futurista, donde las dobles exposiciones fascinan por su originalidad y atrevimiento.

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Aloe- 1925. Lopez Island, Washington

Aunque en el entorno más artístico seguramente sus imágenes más conocidas sean las relacionadas con el cuerpo y las plantas, entre 1933 y 1936 esta fotógrafa trabajó para Vanity Fair haciendo una serie de retratos entre los que se encuentran algunas de sus imágenes más difundidas. Ante su cámara comenzaron a pasar los rostros más conocidos del Hollywood, músicos, artistas, bailarines, intelectuales, escritores, modelos y familiares, entre los que pueden encontrarse los rostros de artistas como la bailarina y coreógrafa Martha Graham, Man Ray  o la pintora Frida Kahlo.
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imogen-cunningham-frieda

 
Martha-Graham-40-1931_jpg.jpg
Cuadro de texto:  
Imogen-Cunningham-A-Man-Ray-Version-of-Man-Ray-1960
Martha Graham 1931









La fotografía callejera o “street photography” fue otra de las parcelas que cautivó a Imogen. En 1934 durante su estancia en Nueva York, dedica gran parte de su tiempo a éste tipo de imágenes que ella define como  “Stolen Photographies”, esto es, las comúnmente conocidas como “robados”.
 
                  Construcción de Madera                                          Vendedor de periódicos, 1939.
       Nueva York, Imogen Cunningham, 1956.

Con se aprecian en sus obras, si algo caracteriza a Imogen Cunningham es su predilección por trabajar en espacios abiertos y con luz natural siempre que fuera posible. Juego con la luz natural y los elementos más esenciales de la naturaleza. Lejos de las escenografías espectaculares y los esquemas de iluminación complicados que dan un aspecto teatral. Críticos aseguran que las fotografías de Cunningham se destacan por su humanidad, por su sencillez, por la carencia de alardes técnicos o de medios, por su carácter personal, por su honestidad y, sobre todo, por la profundidad de su mirada.

Técnicas empleadas - Historia de las técnicas fotográficas
Durante sus años en la universidad trabajó en el estudio fotográfico de Edward Sheriff Curtis, donde aprendió la técnica de la platinotipia y a retocar negativos. En 1909 recibe una beca para estudiar en la escuela superior de Dresde bajo la tutela de Robert Luther, donde realizó un estudio comparativo entre los distintos métodos de la platinotipia.
La platinotipia es un antiguo procedimiento fotográfico que obtiene copias monocromas por contacto en materiales sensibilizados con sales de platino y hierro, tras un revelado con oxalato. Fue un procedimiento considerado como impresión noble por los fotógrafos pictorialistas.
Una diferencia con el proceso de impresión de plata es que el platino se encuentra en la superficie del papel, mientras que la plata se encuentra en una emulsión de gelatina o albúmina que cubre el papel. Como resultado la imagen final está formada por platino impregnado en el papel, aunque en algunos casos se empleaba paladio en su lugar. En torno a 1918 dejó de producirse el papel al platino necesario. Sin embargo aún se emplea utilizando medios artesanales.
La historia de dicha técnica se remonta a 1830. La primera persona que trató sobre la acción de los rayos de luz sobre el platino fue Ferdinand Gehlen de Alemania en 1830. Al año siguiente, su compatriota Johann Wolfgang Döbereiner determinó que la acción de la luz sobre el platino era bastante débil pero que algún producto podría combinarse con el platino para aumentar su sensibilidad. Tras varios experimentos se encontró que el oxalato férrico producía ese efecto. La combinación de estos dos metales sigue siendo la base del proceso de la platinotipia.
En 1832 Sir John Herschel y Robert Hunt llevaron a cabo sus propios experimentos perfeccionando el proceso químico. En 1844, en su libro Researches on Light (Investigaciones sobre la luz), Hunt describió por primera vez el uso del platino para hacer una impresión fotográfica. Sin embargo, aunque intentó varias combinaciones en el procesado químico no consiguió mantener la permanencia en la imagen. Todas sus impresiones desaparecieron tras unos meses. No obstante en años posteriores pudo comprobar que las impresiones que dejó en la oscuridad se desvanecieron muy lentamente, pero volvieron a resurgir con la característica de convertirse en positivos del negativo empleado.
En la década de 1850, sin embargo, la aparición de otros procesos fotográficos como el colodión húmedo empezaron a ser ampliamente utilizados, por lo que desde un punto de vista comercial dejó de interesar este proceso tan caro. En 1859 Burnett publicó un artículo en el British Journal of Photography describiendo el uso de cloroplatinato de sodio como agente de fijación. Esta modificación del proceso permitió que suficiente permanencia de la imagen para ser exhibida en público.
En 1873 se concede a William Willis la primera patente para un proceso de platinotipia. Willis presentó método del baño caliente empleando una mezcla de oxalato de hierro y de cloroplatinato de potasio para impregnar el papel que luego exponía a un negativo por contacto, revelándolo después en una disolución caliente de oxalato de potasio. Este es el proceso básico que se continúa empleando. En 1878, Willis obtuvo una segunda patente que simplificaba su proceso inicial eliminando la necesidad de un baño de hiposulfito posterior y dos años después otra patente que refinaba aún más el proceso.
Aunque en 1880 el proceso químico estaba bastante perfeccionado todavía no existía un método fiable para la preparación individual de papel necesario. En 1882 Giuseppe Pizzighelli y Arthur V. Barón Hubl publicaron una tesis describiendo un proceso sencillo para la preparación del papel y en 1887 Pizzighelli lo pudo patentar haciendo viable la producción comercial. este nuevo proceso se conoció como Pizzitype y se comercializó con el nombre de Dr. Jacoby's Printing Out Paper.
Para esta época Willis había desarrollado dos patentes para revelar en un baño frío para el que consiguió fabricar papel y lo comercializó a través de la empresa Patinotype Company. En el momento en que Willis comenzó a utilizar la platinotipia el platino era un producto relativamente barato al compararlo con la plata, pero en 1907 era 52 veces más caro que la plata por lo que Eastman Kodak y otros productores dejaron de fabricar papel en 1916. Además Rusia disponía del 90% de las reservas de platino y al estallar la primera guerra mundial empleó todos los recursos en la contienda. Como consecuencia los fotógrafos empezaron a emplear el paladio o a combinarlo con el platino.

Movimiento al que perteneció y Descripción del movimiento
En cuanto a su estilo, sus primeros pasos estuvieron vinculados al pictorialismo por su contexto artístico, pero después se situó en una línea más cercana a la Nueva Objetividad siendo parte del grupo fundacional del grupo f/64 en 1932.
La Nueva objetividad fue un movimiento artístico surgido en Alemania a comienzos de los años 1920 que rechaza al expresionismo. El movimiento acabó, esencialmente, en 1933 con la caída de la República de Weimar y la toma del poder por los nazis. El término se aplica a obras de arte pictórico, literatura, música, arquitectura, fotografía o cine.
En fotografía el principal representante fue Albert Renger-Patzsch, entre sus propuestas se encuentra hacer un empleo funcional de la luz, utilizar encuadres diferentes y usar objetivos de diferentes longitudes focales. Werner Graff escribió un libro en 1929 llamado Aquí llega el nuevo fotógrafo (Es kommt der neue Fotograf) en el que trata sobre las fotografías de la nueva objetividad. Se creó el movimiento llamado «Nueva Fotografía» que trajo consigo fotografías con un enfoque nítido, con carácter documental frente al arte fotográfico anterior basado en la poética autoconsciente.
En Alemania los principales representantes son John Heartfield, Karl Blossfeldt, Walter Peterhans, Helmar Lerski y August Sander. En Estados Unidos, se encuentran próximos a esta corriente, fotógrafos como Paul Strand, Edward Weston, Imogen Cunningham, Ansel Adams y Walker Evans. Este grupo representa una nueva dirección que defiende a la fotografía no manipulada.
Cuadro de texto:  Imogen fue cofundadora  del “Grupo f/64”.  Fue una asociación fotográfica que se fundó en California en 1932 bajo la influencia de Paul Strand. Ansel Adams, Edward Weston, Imogen Cunningham, Willard Van Dyke, Henry Swift y Sonya Noskowiak fueron algunos de sus miembros más destacados. Los antecedentes de f/64 se encuentran en la última etapa del grupo Photo Secession,
Su primera exposición se realizó en el M. H. de Young Memorial Museum de San Francisco el 15 de noviembre de 1932.  Estos artistas eran partidarios de la fotografía directa, como decíamos no manipulada, promoviendo la práctica de la fotografía pura, sin intervenciones, en oposición al pictorialismo. La propuesta de f64 para la fotografía artística está sintetizada en el propio nombre del grupo: el diafragma más cerrado de la mayoría de los objetivos fotográficos de las cámaras de gran formato que utilizaban los integrantes de este grupo, que da como resultado una imagen de máxima nitidez.  Sus fotografías más importantes se caracterizan por su gran profundidad de campo, su realismo, la composición y el control de las zonas. Los interiores de sus sorprendentes desnudos, sus personajes de la calle, sus fotografías de flores, las composiciones abstractas y cubistas de vegetales o sus retratos de celebridades forman parte de la historia de la fotografía.
Los artistas de f64 creían que la creación de la fotografía debía limitarse a los medios estrictamente fotográficos concebidos dentro de los parámetros del realismo; desacreditando toda mixtura de técnicas que cuestionara la "pureza" de la obra fotográfica. Se esforzaron por desarrollar procedimientos fotográficos innovadores, siendo el más importante el sistema zonal desarrollado por Ansel Adams. El grupo se deshizo en 1935.

Fotógrafos y artistas influenciados por su obra
Son muchos los que han escrito sobre esta artista, críticos, comisarios, historiadores de arte, pero al día de hoy a pesar del auge de la información que nos proporcionan las tecnologías, no se le reconoce aún la aportación fotográfica y artística que ha otorgado a la historia de la fotografía y al arte contemporáneo.




Cuadro de texto:  Fallecimiento
Tras una vida de plena dedicación, al cumplir los noventa y dos años, comenzó su último proyecto, un libro titulado:“Life After Ninety–La vidadespués de los noventa” Éste último proyecto concentraría toda la experiencia y sabiduría de la inagotable la inagotable Cunnigham, su talento, su sensibilidad. La obra quedaría inacabada al morir Imogen, apenas un año después.
Sin embargo, el proyecto vería la luz tras su muerte gracias a Margaretta Mitchelly la Universidad de Washington. El libro recoge una excelente selección de retratos dedicado a personas que, como ella, habían rebasado la frontera de los noventa años. Constituye una digna defensa y tributo a los mayores, a su sabiduría, su dignidad, soledad y fortaleza. Tras una vida entera dedicada a la fotografía, su entusiasmo no decayó hasta el punto de afirmar, pasados los noventa:“La fotografía para mi es tan maravillosa que, incluso hoy, es como si jamás hubiera visto una fotografía.”
El 23 de Junio de 1976 moría Imogen Cunnigham dejando tras sí una de los legados fotográficos más brillantes y prolíficos de la historia.

Estado actual de su obra
Fundación Mapfre presenta la retrospectiva de la fotógrafa Imogen Cunningham, La muestra, comisariada por Celina Lunsford, Asesora de fotografía del Fotografie Forum International de Frankfurt, consta de una selecta elección de más de 200 fotografías de Imogen Cunningham , algunas de ellas se exponen por primera vez, procedentes principalmente del propio legado de la autora.
Aunque para algunos fue aquella fotógrafa de la Costa Oeste de California que hacía desnudos y estudios de flores, el proyecto que ha dado origen a esta exposición ha conseguido ampliar y estimular nuevas interpretaciones de esta magnífica fotógrafa que ha dedicado unos setenta años de su vida a plasmar con su cámara todo aquello que le hizo sentir y ser partícipe de lo que vivía en cada momento.

Bibliografía
http://www.tucamon.es/archives/0000/1648/9_Imogen_Cunnigham.pdf

http://es.wikipedia.org/wiki/Platinotipia

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