Alfred
STIEGLITZ
Alfred Stieglitz nació el 1 de enero 1864, en
Nueva Jersey. Se inició en la fotografía en Alemania y a los 17 años de edad
comenzó a estudiar ingeniería mecánica. Mientras estudiaba adquirió una cámara y
se inscribió en un curso de fotografía dictado por Hermann- Wihelm Vogel, allí
además de aprender la parte técnica, Stieglitz fue influenciado por la
fotografía pictorialista. A pesar de su corta edad, obtuvo un rápido
reconocimiento, sobre todo en Inglaterra donde recibió su primer premio, una de
sus primeras fotos relevantes fue “La Última Broma”.
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La última broma—Bellagio (1887; reunión de niños en una fotografía elogiada por su espontaneidad, que
en ese mismo año ganó el primer premio en The Amateur Photographer)
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De
todas maneras su mejor trabajo estudiantil
fue “Rayos de Sol, Berlín” (“Paula”).
En
busca de mejorar su formación, en 1890, continúa sus estudios en la ciudad de
Viena, más precisamente en la escuela oficial de impresión y de fotografía
Graphische Lehr-und Versuchsanstalt, dirigida por Josef Maria Eder. Hasta que fallece
su hermana y decide volver a Nueva York. Luego de darse de alta del Club der
Amateur Photographen fue elegido director de la Society of Amateur
Photographers de Nueva York y designado director de la revista The American
Amateur Photographer. Mediante sus trabajos enseñó a los norteamericanos las
posibilidades estéticas de la fotografía.
Stieglitz
se adhiere entonces al movimiento pictorialista, surgido en Inglaterra en los
años ochenta, que proclama el carácter artístico de la fotografía. En el seno
de dicho movimiento, se distinguen dos corrientes principales. La primera
defiende
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Rayos de sol—Paula,
Berlín (1889; Una mujer joven escribe una carta mientras la luz del sol se filtra a
través de la persiana)
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una fotografía que imita la pintura y el grabado por medio de manipulaciones de la imagen o por la elección de temas imaginarios o mitológicos. La segunda preconiza una versión naturalista de la fotografía.
Es en esta última donde se inscribe Stieglitz. Sus temas están anclados en la realidad, pues considera que el carácter artístico radica en la mirada que el operador dirige sobre el mundo.
En 1882, se establece
con su familia en Europa. Stieglitz sigue estudios de Ingeniería en Berlín,
cuando descubre la fotografía en 1883 y se apasiona por este arte. De carácter
resuelto y perfeccionista, hace todo lo posible, incluso estudia Química, por
dominar perfectamente todos los aspectos técnicos. Stieglitz se adhiere
entonces al movimiento pictorialista, surgido en Inglaterra en los años
ochenta, que proclama el carácter artístico de la fotografía. En el seno de
dicho movimiento, se distinguen dos corrientes principales. La primera defiende
una fotografía que imita la pintura y el grabado por medio de manipulaciones de
la imagen o por la elección de temas imaginarios o mitológicos. La segunda
preconiza una versión naturalista de la fotografía. Es en esta última donde se
inscribe Stieglitz. El pictorialismo supone una selección de los temas, entre
los que se destacan: el Paisaje en días nublados, de lluvia, de niebla y todos
aquellos en los que los agentes atmosféricos no permiten que las imágenes sean
nítidas e introducen borrosidad en la representación; el Retrato; se eligen
principalmente figuras femeninas, e igualmente se busca esa
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borrosidad, así como alegorías, puestas en
escena, poses clásicas, etc. Entre la escena a fotografiar y la cámara muchos
autores colocan filtros, pantallas y demás utensilios que impiden ver
claramente. Igualmente recurren a la utilización de juegos de luces y sombras.
Algunas de las técnicas de positivado usadas son la copia al carbón, el
bromóleo, la goma bicromatada, o el añadido de otros pigmentos a las emulsiones
buscando hacer las fotografías similares al dibujo, grabado, etc. Alrededor de
estos experimentos surge la denominación general de impresiones nobles. El
trabajo posterior a la toma era la etapa más importante del proceso creativo La
idea principal era llegar a un resultado diferente del que ofrecían las
imágenes tradicionales, tanto las de la fotografía profesional como la de los
aficionados. Los pictorialistas constituyen una suerte de "tercera
posición" en la pugna entre aficionados-profesionales de finales del siglo
XIX, porque rescatan de los primeros la libertad creativa, no limitada por un
cliente o un encargo; y de los profesionales el dominio de la técnica. Sin
embargo, el uso de la técnica fotográfica que hicieron los pictorialistas tenía
otros objetivos: principalmente, obtener la imagen "floue".
A su
regreso a Nueva York, Stieglitz toma numerosas fotos de la ciudad. A fin de
mejorar el enfoque, amplía y modifica el encuadre de un internegativo y utiliza
un papel de grano fino para la impresión, procedimiento predilecto de la
estética pictorialista.
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En 1894, Stieglitz volvió a Europa y en Paris tomo una fotografía muy audaz “Un día húmedo en el Boulevard”. Luego en una aldea pescadora, tomo unas fotografías, que compositivamente hace referencia a cuadros de pintores impresionistas, su foto más exhibida fue “La remendona de redes”, premiada ese mismo año. “Una chica veneciana” fue una obra muy importante también, por su enfoque sencillo y directo, algo que posteriormente desarrollaría aún más.
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La remendona de redes
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En 1896, Stieglitz fue decisivo en la fusión de la Society of Amateur Photographers y el New York Camera Club, constituyendo el Camera Club de Nueva York, donde transformaría la revista del club en una espléndida revista trimestral e internacional, llamada Camera Notes, luego organizaría múltiples exposiciones de sus trabajos y de los miembros del club.
Durante
estos años y toda su carrera intento que la fotografía fuera una forma de arte al nivel de la pintura y la escultura. Empezó explorando dentro del campo de la fotografía capacidades propias de la pintura (composición, texturas) para luego recurrir
a elementos propiamente fotográficos (profundidad de campo, efecto de corte
fotográfico).
Después de estar varias veces cerca de lograr que la fotografía sea reconocida como un arte, el 17 de febrero de 1902, funda el grupo Photo-Secession, constituido principalmente por Clarence White, Gertrude Käsebier y Edward Steichen, tres de los fotógrafos pictorialistas más dotados de los Estados Unidos. Photo-Secession se inspira en el modelo de los movimientos secesionistas de Munich y de Viena.
La denominación fue elegida como homenaje al simbolismo,
y la trasgresión vienesa de finales del siglo XIX. En esta época, la fotografía
era considerada, por su supuesta realización mecánica, una forma burda y fácil
de reflejar la realidad más prosaica. Stieglitz, dedicado siempre a la lucha en
defensa de la fotografía como arte, concibe Photo-Secession como la ruptura con
las normas académicas, como una visión personal del mundo, basada en la
expresión propia, independiente de toda tradición visual. El catálogo para la
exhibición inicial de la Photo-Secession Gallery estaba encabezado de este
modo: "Una protesta contra la concepción convencional de la fotografía
pictórica". El grupo organizó numerosas exposiciones fotográficas y editó
una revista, la Camera Work, de las más prestigiosas en esos años de principios
del S. XX. La finalidad de la Photo-Secession era triple:
- Procurar el avance de la fotografía, aplicada a la
expresión pictorialista.
- Reunir a aquellos norteamericanos que practiquen el arte o se interesen por él.
- Realizar periódicamente, en sitios diversos, exposiciones que no estarán necesariamente limitadas a las producciones del grupo Photo-Secession ni a trabajos norteamericanos.
- Reunir a aquellos norteamericanos que practiquen el arte o se interesen por él.
- Realizar periódicamente, en sitios diversos, exposiciones que no estarán necesariamente limitadas a las producciones del grupo Photo-Secession ni a trabajos norteamericanos.
Stieglitz
y su determinación de obtener el reconocimiento para la fotografía
pictorialista no había sido compartida por todos los miembros del Camera Club,
entonces se vio empujado a dimitir como directo, y de inmediato fundó una nueva
revista trimestral, Camera Work, de cuya edición se ocupó solo él.
Camera Work es una minuciosa documentación del movimiento de la fotografía pictorialista, además organizaron numerosas exposiciones.
Camera Work es una minuciosa documentación del movimiento de la fotografía pictorialista, además organizaron numerosas exposiciones.
Esta
prestigiosa revista se publicó hasta 1917.
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The
Steerage (El entrepuente)
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De 1905 a 1917, Stieglitz dirigió las Little Galleries of the Photo-Secession, que eran un pequeño
espacio de exposición, que pronto sería conocido como la "291", en
referencia al número del edificio que las acoge en la Quinta Avenida, y se
impone como un lugar cultural ineludible en un Nueva York en plena mutación. La
ciudad se afirma progresivamente como la cuna del arte moderno estadounidense y
se convierte en un polo de atracción para los artistas europeos. A Stieglitz se le invitó a realizar una
exposición en Buffalo, Nueva York; en la Albright Art Gallery donde alcanzó récords de visitantes. Insistía en el
hecho de que las fotografías pareciesen fotografías, de modo que su realismo
permitiera a la pintura una mayor abstracción. Este cambio hacia el arte
abstracto
mistificaría a los suscriptores de Camera Work y al público que acudía a las galerías.
En 1910, Stieglitz organiza una importante
exposición internacional pictorialista en la Albright Art Gallery de Buffalo.
El éxito es rotundo y varios museos adquieren obras del grupo Photo-Secession.
Stieglitz ve recompensado así su combate por
el reconocimiento artístico de la fotografía.
Sin embargo, no todo el mundo aprecia la
posición predominante de Stieglitz. Varios fotógrafos de primer plano, entre
ellos Clarence White, Alvin Langdon Coburn o Gertrude Käsebier dejan el grupo
Photo-Secession.
El arte vanguardista cumple una función catalizadora para Stieglitz. En El entrepuente, famoso cliché tomado en 1907 pero en el que no se interesa realmente sino a partir de 1910, Stieglitz capta el amontonamiento de las clases populares en un paquebote. La imagen no está retocada. Los distintos elementos del decorado, una chimenea, una escalera y una pasarela, estructuran la imagen en torno a la mancha de luz que constituye el sombrero redondo y blanco de uno de los pasajeros.
Cuando le presentan El entrepuente en 1914,
Picasso comenta que Stieglitz "ha comprendido lo que es la
fotografía".
De ahí en adelante, Stieglitz se dedica a una fotografía "pura" (straight photography)
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Georgia
O'Keeffe (1918).
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En 1918 se divorciaría de Emmeline Obermeyer, su esposa, cuando entra en la vida del fotógrafo la famosa pintora Georgia O´Keeffe con la que se casaría posteriormente, convirtiéndose en su musa durante el resto de su vida, de igual forma que su trabajo fotográfico también influiría indirectamente en la artista. En ese momento empieza un interés por el desnudo, existen fotos en las que aparece O'Keeffe, con alguna de sus partes íntimas al desnudo, esto se reconoce con frecuencia como uno de los primeros ejemplos en los que se explora el potencial de fragmentos aislados del cuerpo humano mediante la fotografía. En estos años, Stieglitz también presidió dos galerías no comerciales de Nueva York, The Intimate Gallery y An American Place.
A lo
largo de su extensa carrera, muchos fotógrafos fueron influenciados por
Stieglitz, entre otros:
-Wynn Bullock (1902-1975, Chicago) es uno de los
grandes nombres de la fotografía norteamericana perteneciente a la escuela de
California. Su trabajo está influenciado por Edward Weston y Alfred Stieglitz.
Bullock es uno de los fotógrafos de esa época de mayor evolución, en el sentido
de búsquedas de nuevas estéticas y narrativas. Su uso de las formas de la naturaleza
o el simbolismo y la metáfora de imágenes como Child in Forest contrasta con
sus clásicos desnudos y su experimentación con las solarizaciones, o el color.
-Imogen Cunningham, fotógrafa nacida el 12 de abril
de 1883 en Portland, Oregón y fallecida el 24 de junio de 1976 en San
Francisco. Comienza su trabajo en fotografía en el año 1901 como estudiante en
la universidad de Washington de química fotográfica. Fue inspirada por la
fotógrafa pictorialista conocida internacionalmente Gertrude Käsebier. En 1909
recibe una beca para estudiar en la escuela superior de Dresde bajo la tutela
de Robert Luther, donde realizó un estudio comparativo entre los distintos
métodos de la platinotipia. Durante su estancia en Europa, visitó a Alvin
Langdon Coburn y Alfred Stieglitz quienes nuevamente la inspiraron.
-Ansel Easton Adams (20 de febrero de 1902 - 22 de
abril de 1984) fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, Conocido por
sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en
Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre
fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El
Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 Visitó por
primera vez Nueva York en 1933 y conoció a Alfred Stieglitz, un fotógrafo al
que siempre había admirado. Stieglitz le ayudó a hacer su primera exposición.
Antes de dejar
definitivamente la fotografía en 1937 debido a su deteriorada salud, Stieglitz
firma lo que constituye, junto con los Equivalents, un verdadero legado
espiritual. Sus últimas imágenes son las de los árboles de Lake George, como
celebración de la primavera o cuestionamiento cuando fotografía los viejos
álamos en agonía.
Después de la
Primera Guerra Mundial, la difusión de los trabajos de Stieglitz es bastante
limitada. Aunque expone con regularidad, prefiere limitar las publicaciones en
las revistas.
A su muerte en 1946, algunas de sus fotografías ya han entrado, desde hace unos veinte años, en las colecciones del Museum of Fine Arts de Boston, en el Metropolitan Museum y en el Museum of Modern Art de Nueva York.
Para entonces, ya ha ganado su combate por el reconocimiento artístico de la fotografía.
Bibliografía
1 - Beaumont Newhall, Historia de la Fotografía. Capítulo 9, pág. 150 a 164. Edición FotoGGrafia.
1 - Beaumont Newhall, Historia de la Fotografía. Capítulo 9, pág. 150 a 164. Edición FotoGGrafia.
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